恶童
虽然《恶童》交给Michael Arias主导，但影片的创作核心依然是日本人。而这次能配得上与好莱坞特效第一人Michael Arias合作的高手则是象征着日本动画制作最高水平的STUDIO4℃。以概念与技术一样前卫著称的STUDIO4℃早前最著名的作品当数大友克洋的《回忆三部曲》和《骇客帝国动画版》，也是因为后者Michael Arias与这个由田中荣子带领的动画精英班底在《恶童》结缘。      其实早在十年前Michael Arias就开始给世嘉等公司设计动画软件并长期在日本工作，也就是这段时间他接触到《恶童》，顿时被古怪的魅力吸引，随后马上联系出版这套作品的小学馆和松本本人取得改编权。Michael Arias最初设想将恶童做成3D动画，他的动作引起森本晃司的注意，他曾在《阿基拉》和《回忆三部曲》时代任大友克洋左右手同时也是STUDIO4℃主脑之一，主张电脑与传统动画结合的他欣然参与到这部作品，用了一年时间完成了只有3分钟的3D小样。小样获得的好评让Michael Arias萌生扩展成长片的念头，但他们也意识到3D的特点不利于表现漫画自成风格的粗糙。森本晃司后因故退出计划Michael Arias也回到好莱坞开始制作《骇客帝国动画版》。直到之后偶然得知田中荣子等人都是漫画版的粉丝大家一拍即合，《恶童》得以真正实现电影化。      为了最大程度呈现漫画版的视觉风格，包括松本大洋爱用的实景复制的背景、夸张略为变形的广角、涂鸦式的画风，STUDIO4℃除了拍摄工作全部采用传统手绘完成背景与人物设定，大量运用对比强烈的大色块，城市的喧闹感呼之欲出。STUDIO4℃并不信任美国人撰写的脚本，为了防止原作地道的日本风味被破坏只得事先给故事定好调子。原作中让人印象最深刻的宝町街景也仿照松本大洋的做法设定，到吉祥寺等地拍下与设定相符的街景，美术师木村英二等人考虑到纵深、比例以及光影与时间的关系后再将所有可用元素结合制图。      《恶童》全片共有1538个镜头，其中最出色的便是恶童们在城市穿梭、战斗的动作场面，STUDIO4℃采用摄影机跟踪拍摄的手法来凸现速度与空间的立体感，这也是影片唯一运用到CG效果的部分。      原作者松本大洋怕自己的意见会左右STUDIO4℃的发挥一直避免介入整个制作过程。到看到成品时他也发出了满意的赞叹，称影片拍出了孩子与城市间让人动容的感情。随后《恶童》在今年东京国际电影节上亮相，并在数码电影祭“RESFEST”上与松本其他银幕改编作品一同公映，极高的呼声使之成为年底日本院线的新宠。

经典台词
    
老人：白真了不起，在这个臭水沟般的城市，一尘不染地活着，不可思议的孩子。也许白早就拥有了一切的答案，只是到成型为止还需要一些时间，这个城市不适合没有警戒心或者脑子里没有坏水的人生活，黑，没有你的话他早就死了吧。     
Black:不用担心，我会保护White，包括这个城市。     
老人：那是不可能的，这个城市的寿命已经不长了，当你到了我这个年龄，什么事物的流向你都会看在眼里，White也一定知道这件事，这就是他的天赋。     
老人：没有医生能理解他（指离开了White 的Black）的痛，没有任何人能了解他的疼痛。     
耗子：对一件事爱的越深沉，伤的也越重，这个城市已经不是原来的城市了，它将永远回不到过去的样子，无论怎么挣扎，我们都无法抵挡这股潮流。     
BLACK:你将要死掉，你的脸上写着了。     
耗子：那我就在地狱等着你。     
Black：这里就是地狱，这个城市已经是地狱。     
耗子：对于人生，我们没有选择的余地，我们是被选择的。     
医生：BLACK只是坐在那里，一动不动，仿佛受到了巨大的打击。     
老人：他没有受刺激，Black is calm（冷静） ！他才这么大的年纪就已经对生存绝望了，这是的他冷静的恐怖，他相信他存在的理由就是守护白，白死了的话，他也没有继续活下去的意义。所以他绝对没有受刺激。     
Black：我没有保护白的自信了。     
老人：以前我也说过，你保护不了那孩子，     
Black：仿佛是神，虽然我从不信神，但仿佛是神要把白从我身边夺去。     
老人：他（白）比你想的要坚强的多，你则没有你想象的那般可靠，在我这双老眼看来，一直以来实际上是白在保护你，我说错了么？我相信你Black，就算神抛弃了你。    
White：我的心缺少了螺丝，上帝造我的时候少了螺丝，它破了。Black的心也少了螺丝，但是我有那些螺丝，Black少的螺丝，White都有！！     
我梦见了蓝色，天空，森林，大海，我们在海边建造一个房子，只有我们两个人住在那里。     
为什么天黑的时候我的心情会很忧郁（blue），大概是因为我感觉到死亡的恐惧。     
我感觉到了鼬，他会将整个城市毁掉，不好的感觉。（鼬是Black，离开了White，打破了内在平衡，嗜血暴戾不相信爱的Black的另一个侧面。）     
Stop!Stop!(当Black 和内心的黑暗斗争的时候，White 对代表黑暗的鼬说。语气坚定，不容拒绝。)    
What do you see there? What do you see? （荒芜的背景之上，一只白色的鸽子在飞翔。）     
Be happy be happy !!（全片我最喜欢的一句话！Be happy Be happy!simple and powerful ! 它本来不具有力量，是信任让它力量无穷。）

心灵游戏
在业界中引人注意的Mind Game由汤浅政明(Yuasa Masaaki)监督，是一部剧场版动画，改编自Robin西(ロビン西)的同名漫画。
以“人生的可能性”为主题的痛快之作。      一个多钟头的奇思妙想共冶一炉，开篇及收官两度出现”MIND GAME”片名时的两段快速剪接虽然内容一样，可功能完全不同---前者让观众在看到莫名其妙的纳闷之余，留下一些影像的残余记忆，好在进入正片之时进行一一印证；等到正片结束，重放一遍让观众有一种快意的回味，并且也是对剧情的非逻辑性的总结。无疑，这是汤浅在结构上耍的一个小花招。单色，彩色。线条，色块。实拍，手绘。2D，3D……      影片用了手绘与相片拼贴的手法，以及用高反差的色彩代表死后世界，运镜方式常用高角度与大特写。      动画片这种类型本身的特点让导演有了莫大的游戏空间，本来是一条普普通通的线性叙事，加上了大量的分支和闪回，使得影片风格诡异而极富魅力。      本来，实拍的影像卡通化这种手法已经不新鲜，可导演能够牢牢抓住从故事人物的视角出发这一原则，反复强调“思想”第一，一切皆为想象，使得技术完全为主题思想服务，而脱离了纯粹的炫技，这是他的又一高明之处。 

STUDIO 4°C

S4C是简称，原名是STUDIO 4℃アニメーション制作会社，成立于上个世纪的1986年。当初创立人之一的田中荣子之前是担任另一大名鼎鼎的动画公司吉卜力的制作人，当初她在负责《龙猫》的企画制作。此时遇到了另一创立人森本晃司，森本当时是在跟着大友克洋在制作日本动画史上一个里程碑式作品《AKIRA》。<!--break-->在交谈之后，两人大感相见恨晚，当时的日本动画正值黄金时期，TV大行其道，剧场版层出不穷，OVA渐渐崛起，之前曾经写过的另一动画公司Production I.G也是差不多这个时期创立的，而另一家宅向公司GAINAX也是在这期间出现的（当初庵野秀明还是从吉卜力出去的呢）。虽然是黄金时期，但田中荣子和森本晃司深感动画还能继续发展，不单单局限于这种商业性动画，而是能够运用到更多的领域里，且这种商业动画往往为了讨好市场，扼杀了不少动画人的想法和个性，不能够更好地体现动画这种题材的丰富性和多变。由此他们两个，再加上后来的佐藤好春，就组成了这个公司，与其说是公司，更多的应该是工作室性质的，取名为4℃。因为在4℃的时候，水的密度是最高的，叫这名字正是寄托了他们“做出比一般的动画更高密度、更高质量来”的目标。
公司成立后，开始着手招揽人才。由于田中和森本之前就已经在动画界混过一阵，颇有人缘，拉到了不少志同道合的朋友陆续加入，且大部分是年轻人，正因为年轻，才有朝气，才有不可限量的未来。公司一开始并没多少资金运转，主要是接其他动画公司的单来做，参与一些大制作或者长篇TV动画的分工。最早接的单是吉卜力老宫的《龙猫》和《魔女宅急便》，当时田中荣子还是这两片的制作负责人，自己的公司自然也要参一脚，这两部片中那充满了流畅感的空中飞行镜头，有很大一部分都是由S4C完成的。
正因为他们在这两部剧场版动画中的出色表现，之后陆续参加了不少动画的制作。这点倒有点像中国现在的某些动画公司，专门负责外包上色背景等。1995年由大友克洋总监督的三个动画短片集剧场《MEMORIES》上映，轰动日本，其天马行空的创意和行云流水的动作便是由S4C和另一动画公司madhouse合作，聚集了一帮年轻又富有才华的动画人制作完成。三篇里面，S4C占两篇，也是最出彩的两篇。从那以后，STUDIO 4℃这个名字被人牢牢记住，也让人们看到了森本晃司的才华。
在商业动画这块，除了继续参与其他动画的制作外，继《MEMORIES》后又陆续制作了《音响生命体》、《SPRIGGAN》、《ARETE姬》、《永久家族》、《黑客帝国动画版》、《Digital Juice》、《GRASSHOPPA》、《魔法少女队阿露丝》、《きまぐれロボット」》、《MIND GAME》等动画长短篇。其中最出名的也是因为这个在国际成名的就是《黑客帝国动画版》了。当初黑客导演沃卓斯基兄弟特意找来一帮他们喜欢的日本动画导演来做，共分为九个短片，其中S4C就占了5个，而出来的成果确实是里面最棒的，这片子充分证明了一个道理：给日本人足够的钱，他们就能给你做出非常牛X的动画来。当初STUDIO 4℃创立的主因就是他们不喜欢日本TV动画那种为省钱偷工减料和讨好观众的做法，就算是他们所做的动画长短篇，也是副冷门脸，既无讨好观众的卖萌帅哥美女，也无骗钱卖周边的各种设定，管你爱看不看，我做出来的东西就要那样！所以也有评论说，在日本动画界最不买观众帐的就是这家公司了。
个性太强，叫好不叫座，S4C不少作品卖得甚至不足以糊口，只能寻求其他方面的发展。实际上S4C主要收入来源除了动画的DVD销售外，就是广告CM和音乐MV或者其他节目等动画的制作，由于这种题材除了要紧扣主题外，其他完全是监督的个人发挥，制作短，资金周转又比较便利，S4C后期便经常接这种单来做。因为这种片子是最能展现个人特色和风格的，就算是同一人，在给不同题材做，也能做出不同类型的来。于是就出现这么一现象：你看他们的作品几乎没一部的风格是完全相同的，随便挑一个来看，都和之前的作品不一样，同时你却又能够一眼看出来这就是S4C的作品，或者说S4C人的作品。这其实就是一种个性的胜利了。
音乐MV方面，在1996年由森本晃司监督制作的MV《EXTRA》引起了人们关注，前卫的风格，怪诞的故事，还有那另类的设定，一下子吸引了许多时尚年轻人的注意，之后S4C曾和多个大牌歌手合作，为他们量身定做符合他们歌曲意境的动画MV，其中比较有名的几个是GLAY的《SURVIVAL》，宇多田光的除《PASSION》外的14首歌曲精华MV《Fluximation   Passion》，滨崎步的《Connected》等。最大的一次合作莫过于和音乐公司——rhythm zone合作的一张新概念音乐动画专辑，S4C派出四名监督，用不同的风格将rhythm zone旗下四位歌手m-flo、幸田来未、mink和RAM RIDER的四首歌用短片形式表现出来，并推出一张DVD加一张CD的特别版，收录四个MV的普通版和完整版。


广告CM方面主要是直接在电视上或者厂家宣传时播放，时间也较为短暂，一般是30-60秒之间，会再根据广告播放时间再进行浓缩。一般不直接对外销售，国内要看到也比较难，不过在前两年，国内的电视上曾经有过一个NIKE的广告，叫《恐惧的房间》，由NBA篮球明星詹姆斯当形象代言，闯五个代表五种恐惧的房间，其中有三段是由动画来表现，这部分便是由S4C制作的，其中最后一段的监督还是大家熟悉的渡边信一郎呢，另两个一个田中达之一个森本晃司也都是熟面孔了。不过可惜的是，某些敏感人士觉得这部广告有辱华嫌疑，于是就被华丽地和亾谐掉了，只在中国大陆的电视上昙花一现，大多数人错过看不到了。除此之外的广告CM也很难看到，就算万能的P2P，也只能弄到少数几个，也许以后某一天S4C缺钱了，出个广告CM合集DVD出来卖，那时才能一饱眼福吧！其他游戏OP或者活动展览宣传之类的更不用说，都是只能在特定环境下才能观看到，想去观摩的便只能看自身条件了，像日本棒球职业大联盟开幕OP这种东西，你不在现场怎么看呀。不过倒是给电影或者日剧里面做的过场动画，有时倒能无意间发现，比如说《下妻物语》和《欺诈猎人》里的。
在日本，专业的动画学校的不少学生毕业后最向往的地方不是那些大动画公司，而是这个小小的S4C，虽然收入相对来说比较少，但这里却是个能让他们最大限度发挥个人才能的地方。由于经常要身兼数职：脚本、原画、监督、演出等活都要干，能够锻炼人的多面能力。也正因为S4C这种独特的个人魅力，吸引了不少业界老人新人加入或者合作，其中既有大牌的大友克洋、渡边信一郎、菅野洋子，前田真宏等。也有小林治、小原秀一、中山大辅等从这里走出去的新人。他们大多采用的是临时雇佣合同制的，这边有活干的时候，对此有兴趣的人就和公司签定合约，然后全身心进行制作，完成后计算酬劳。这种短片的资金周转方便，制作周期也比较短，不少人很喜欢签这样的合同，象渡边、大友等经常在做长片之余，跑来这边串场练练手，做些短片之类的。一方面是个人兴趣，毕竟做这种片子简直就是随心所欲，另一方面也是因为捧朋友的场，之后自己那边需要人手的时候也可以请对方帮忙。这也是为何汤浅做完《MIND GAME》后又能在madhouse做同样画风的《兽爪》，其主要人员很多是从S4C这边借过去的。
随着公司的扩大和作品的增加，有时候无暇管理作品的销售和周边产品制做。于是S4C在1997年创立了专门负责后期营销的部门，那就是BEYOND C了。主卖S4C动画作品的DVD销售，个人画集，场景设定集还有相关周边等。在网站上更设立了几个FLASH小游戏供人游玩，其网站建设也尽显另类本色。04年的《MIND GAME》之后，到06年底前，其他新的动画长短片告一段落，主要以音乐MV为主打。经过两年的制作，终于在2006年底12月推出了由松本大洋漫画改编的长篇动画剧场《鉄コン筋クリート》（恶童）。之后07年夏更推出由渡边信一郎为首的动画短片集《genius party》。在公司成立20周年之际，相信他们未来将继续坚持这种特色走下去，不管是在日本还是在世界，STUDIO 4℃这个名字永远不容忽视。


STUDIO 4℃刚成立的时候规模还小，并不具备独立制作一部动画的实力，开头几年大多接外包的单，目的在于积累经验和资金，森本此时也在锻炼自己，为之后的创作打下了坚实的基础。1992年前后，madhouse和STUDIO 4℃合作，准备由双方各自派出最强人马打造一部完全与众不同的动画剧场来，于是便有了《memorise》的出现。森本在作品里和当初的老朋友今敏合作，由今敏负责脚本和设定，人设为井上俊之，音乐为菅野洋子，森本晃司负责监督，动画的制作交给了STUDIO 4℃。此片上映的时候震惊了整个日本动画界，让人不仅认识了STUDIO 4℃这个名字，也让人们记住了森本晃司这个长着乱糟糟头发的天才动画人。
此后的森本和STUDIO 4℃不断努力开创动画制作的新领域，早在1996年他便和音乐界合作，做了个印象派的音乐动画MV《EXTRA》。在那时这种形式和手法算的上是很独树一帜的，不少欧美国家的人都是从这个开始认识了《EXTRA》和森本。再到1997年时，STUDIO 4℃与BANDAI合力制作了一个动画短篇《音响生命体》。内容描写的是一个人们的音乐被夺走，街道被怪物Noiseman霸占，从音乐的呪缚中解脱出来的少男少女们和怪物战斗，解救这个街道的故事。监督是森本晃司，人设、世界观设定、作画监督都是由之前提到的汤浅政明担当，其塑造的形象和色彩表现为动画界注入了股新风，富有奔驰动感的音乐由则是由当时还不算很有名的菅野洋子担当。《音响生命体》在画面和效果这两方面使用了不少当时的新技术。虽然只有短短15分钟，但所展现出来的魅力还是获得了不少狂热爱好者的支持。
1998年森本制作了一个奇怪的动画《永久家族》，不仅内容画风怪异，还因为这部28分钟的动画居然有53话，平均一话30秒左右，基本上刚闪了几下说了几句便完了。前面几乎是毫无意义的镜头和对话，中间突然镜头一转，全家跑到了外面世界，电视台四处通缉派人追捕，家族的人也分散各地各自为战。一个很无厘头的故事，用这种更加无厘头的手法制作，相信初次看的人会觉得莫名其妙吧，可要是把全片看完了，就会深深叹上一口气，感叹森本果然是天才！也只有他才能想出这种故事和表现手法来。
接下来几年STUDIO 4℃在森本的带领下不断培养新人，涌现出了一批不错的人才，自己则退居幕后，作为统筹出现。他只做了几个音乐MV和广告CM，其中就有和GLAY合作的《SURVIVAL》，如果是GLAY的FANS的话，相信一定看过，早年看到这个就是托GLAY的福，在他的MV专辑里看到。
直到2003年，对STUDIO 4℃和森本来说都是一个机会，那就是《黑客帝国动画版》的制作，由于沃卓斯基兄弟的偏爱，森本也被请到了制作阵容里，他负责的那个故事《BEYOND》应该算得上是真人版电影世界中的一个小插曲，一个荒废的小屋，因为时常出现不可思议的现象而被传为鬼屋，实际上这只是矩阵程序的一个小BUG而已，在片中，误闯进来的小孩子，在现实与虚幻间相互交错，让人感受到钜阵的神奇效果。也是由此片开始，森本晃司这个名字在外国的动画迷中名声大振，还有人专门做了他的法文版官方网站，来介绍推广他和STUDIO 4℃。
森本晃司这两年除了和渡边，田中达之一起给NIKE做那个恐怖密室的广告外，还和宇多田光合作，包括他自己在内的STUDIO 4℃旗下多位好手，联合推出了宇多田光音乐MV合集《Fluximation》。森本负责OP和其中一篇，还有最重要的主打MV《Passion》，可以说是双方一次完美的合作。
而如今森本晃司在捣鼓些什么呢，倒是不得而知了。


在S4C里面，可不止这两个人，还有其他一大批同样才华横溢的动画人，只是他们没这两位显眼出名罢了。也许有人曾经看过他们的作品，却不曾留意到角落里的那些名字。
田中达之
作为创始人之一，却并不为人所熟知。一来是他的作品确实不多，另一个原因是他主要还是负责起辅助作用的。1965年出生的田中达之，早先是以漫画家为目标出道的，结果高中毕业后就到动画公司打工实习，之后参加了大友克洋《AKIRA》的制作组，作为其中众多原画的一位，同时也是在那时候认识了森本晃司。田中到STUDIO 4℃后从事的也大多是原画、场景，人设之类的工作。曾经参加过的主要动画有押井守的《御样祖先万万岁》，庵野秀明的《蓝宝石之迷》，北久保弘之的《老人Z》，森本晃司的《永久家庭》《音响生命体》等。而作为自己作品亲自监督的并不多，也就《陶人キット》和宇多田光音乐集里一篇《woder bout》，有趣的是这两个是同个场景同样的人，还有就是NIKE广告CM的第二个动画《恐惧之门》了。田中达之和其他人不同的是，他另一个身份就是漫画家和插画家，曾经出过几本画集和单行本。他的画风特别精细，风格偏欧美化，色彩比较喜欢用淡黄色调，给人种昏暗的感觉。人物特别是女性很喜欢画成厚嘴唇的，看起来比较写实，这点有些像寺田克也，两人的画风也有点相象，只是寺田更偏暗色调些。
中山大辅
1974年出生于三鹰市，成长在鹿儿岛，之后读的是东洋美术专科学校。毕业后做过多份工作，早先曾经在《机动**剧场版3》里担当过原画，加盟STUDIO 4℃后参与了STUDIO 4℃的唯一一部TV动画《魔法少女ARUSU》的原画和世界观设定。之后挺活跃的，作为监督做过好几个作品，之前介绍过的由四个动画人做的四首歌MV，第一个m-flo的歌曲MV就是他做的。他画风偏HIP-HOP风格的街头涂鸦式，在《宇宙**》和宇多田光歌曲《Let me give you my love》可以看出来，不过他在另一个俄罗斯歌手的音乐MV《First Squad》里，用的却是很日式风格来画，可见他也是个多面手。在2006年的11月，他离开了STUDIO 4℃，用自己的积蓄和一帮朋友们自己设立了属于自己的工作室，已经33岁的他未来会给我们带来怎样的惊喜，让我们拭目以待吧。
片渕须直
1960年出生的他也算是个老资格了，加入STUDIO 4℃前就已经参加过不少作品的制作了。剧场动画《名探侦ホームズ&#12539;青い红玉／海底の财宝》的演出和脚本，《名探侦ホームズ&#12539;ミセスハドソン人质事件／ドーバー海峡の大空中戦》的脚本，《魔女宅急便》的演出补，《大炮之街》的演出等，更是世界名作剧场《神犬来西》的动画监督。《アリーテ姫》作为STUDIO 4℃第一部自主制作的剧场动画，担任这作品的监督其实压力应该挺大的，结果他完成得挺不错，虽然说不上特别引人注意，但还是中等偏上水准的。在STUDIO 4℃除了这部外，片渕还做了一些广告CM的动画，还有些游戏的开场动画之类。之后他跑去madhouse做《black lagoon黑礁》的TV动画，早前已经介绍过STUDIO 4℃和madhouse关系极其密切，不仅双方公司有多次合作，连双方的人也经常跑来跑去互相帮助制作，想之前的那汤浅政明，大友克洋等，还有这个片渕须直。
小原秀一
原本以为小原是年轻一辈的，没想到他居然是比森本年纪还大的人。出生于1956年，鹿儿岛县，只是和其他人美术相关专业的出身不同，他当初读专科的时候居然读的是化学，这便和他的画风联系不起来呀。不过也因为如此，在之后他初监督的动画短篇里，他用的是《教授的忧郁》这个名字，讲述一个物理教授的故事。早期他参加过像《风之谷》《MEMORIES》等大片的制作，后来在STUDIO 4℃也主要是做辅助性的工作，不过对他印象最深的还是那个《圭角》，风格极其诡异，里面的人物穿的是日本古代的衣服和忍者剑客装，且是用浮世绘风格来画，音乐用的是摇滚类，两者可以说是八杆子打不到一块的，合起来后却感觉别有风味，在短篇集《Digital Juice》里，就属这篇最有趣，开篇很有气势。
芦原芳晴
作为STUDIO 4℃第一部也是唯一一部TV动画的监督，他表现得很出色。虽然《魔法少女ATERU》每集也才十分钟而已，但30多集下来，也差不多相当于普通TV动画的一季13集长度了。他在STUDIO 4℃里的作品并不多，除了这个，剩下就是宇多田光音乐合集里的一个短篇《Hotel lobby》了，其他就是好几个作品的原画。对他认识实在不多。
青木康弘、青木康浩
这两个名字要不仔细辨认很容易混淆的，不禁让人怀疑这两人倒底是不是兄弟，同在STUDIO 4℃工作也不知道谁是兄谁是弟，作品也不多。在之前那个音乐合集的第三个MV《功夫爱》里，监督写的是青木康浩，其画风很有特点，色彩运用方面也有自己的风格，一般看过一次后再次看到就能马上辨认出来。接着在宇多田光音乐合集里的《Kremlin dusk》，其画法和风格几乎和《功夫爱》一模一样，两个都看过的人几乎没人说不是同一个人的，可事实上这边写的是青木康弘，青木康浩呢，跑去做另一个《About me》了，在那个只能看到脚的MV里，很难辨认出两者间的相似之处，于是这两个人的之间的关系便只能是个迷了。
福岛敦子
在日本的动画圈，女性担任主要职务的人并不是很多，而福岛敦子算是比较有名的一个了。自己作为监督的作品并不多，但参与过的就多了，且很多都是有名的，比如说《机动**剧场版》等。不过比较八卦她的一件事就是，她的另一身份是【森本晃司的老婆】，不知道这个夫妻档是在STUDIO 4℃成立前就认识还是之后日久生情逐渐走到一起的，如果是后者的话，那也算是一桩美谈了，可喜可贺。
基本上STUDIO 4℃的主要人员就是这些了，还有几个因为不是很熟悉就不做介绍了。另外像大友克洋，渡边信一郎，菅野洋子等并不是STUDIO 4℃的成员，只是因为彼此间经常互相合作，所以有些人误以为他们也是STUDIO 4℃旗下的，这里指出一下。估计同样喜欢STUDIO 4℃的朋友也是有不少的，有机会可以来互相交流交流。


4度工作室—Studio 4°C动画合集
http://www.youku.com/playlist_show/id_5394548.html

比如这贴

淡定，少年 -_,-

基于对音乐的热情,森本晃司制作了多部动画宣传片,短短几分钟里包含了高度复杂的叙述.他为日本的技巧型明星Ken Ishii 制作的宣传片Extra,为他在东西方都赢得了地位.他也是为数不多几个在伦敦的工作室工作过的日本动画家,工作室的得奖影片Nexus,他制作了选出片Friday Weekend.Nexus的制片人Chris O'Reilly 说:'看Extra -是一部看起来有着颠覆性的,与其他的动画片革丵命很不同的影片,我认为,对于通常的观念来说,在电影行业之外,动画片也可以是充满离奇的,但是范围狭小,只为那些孩子和艺术家.看起来他的作品非常深刻,华而不实的,黑暗的,性感的,危险的但是高度外向,他的电影就像是詹姆斯.卡梅伦,或者Ridley Scott的作品,如果他们也是动画家.动画片需要人们突破东西方的界限就像日本的清酒一样,取得广泛的承认,但是仍然不幸的是,这还只是小小的合作和联系.但是我们还是有特权去与一位我们非常敬重的导演合作的
森本晃司发现:"视觉的创意往往来源于音乐,或者是在喝醉以后和跟人们谈话的时候产生出来."在他绘制草图的时候就已经有了最终清晰图象的样子.随后,他与他的小组共同讨论这些创意和有关的技术问题."尽管这种讨论是有益的,但是缺陷是,在日本的动画片业中,一个参与动画项目的工作人员之所以参与工作更大程度上是过于注意这部动画片的导演的名气,和高的期望值,这些都给导演带来很大的压力,和责任重担."
首先决定设计和视觉风格,森本画出他脚本中的每个关键部分."故事版和脚本非常重要,如果那些概念和结构的草图不够好,最终动画片会变得支离破碎.脚本,故事版和音乐90%得决定了最终的效果."他认为传统的动画技术非常重要,因为他们提供了一个打破常规的机会."没有传统,颠覆就没有意义."
他首先将粗略的情节与他的小组进行交流,然后把它写出来.他制作故事版,加上一句:"这里看过后不需要多想."他同时设计和创作角色和背景,当故事版完成的时候,他会精确的知道需要多大的绘画量."你可以在交际的时候或者散丵步的时候思考那些故事情节,闷着头想只会让人感到无聊和更大的压力."为了减轻这些,他经常会想出一些新的方法来维持他的活力.任何在完成作品的过程中出现的偶然都是最受欢迎的.这就是为什么跟许多不同的人一起工作是非常有意思的.
对于他的工作,他用了一个英文词"紧张",这个词在日文中的意思是"好的精神",力量的联合,积极性和动力.如果一个他制定的计划没有被承认,他会归咎于自己的能力不足,并且为这失败而埋怨自己,以此来保持自己在这件事情上的紧张状态.他同样感觉到:'过去,我不怎么在乎观众,依赖那些陈词滥调和老套的东西,不把自己的情感放到一个单独的场景中,"这种保持紧张状态的很重要的实现可能就是他去做自由职业者的原因之一.他现在只接受那些能在他的脑子里本能和直接得反应出电影的那些工作.
在Memories的工作中,他也学到了紧张状态对于维系他的团队的重要性.在与他的工作人员就某个已经深入考虑过的问题进行接触的时候,他发现如果他没有维持紧张的时候,他们的交流就不会有效.'这对工作人员来说并不是坏,相反,我发现如果我不把自己的弦拉紧,是不会得到他们的回应的.'


我很难区分自己的两种身份,动画师和导演,我缺少导演所必须的客观性.我爱绘画,倒不如让我用更多的时间给别人的画挑毛病.那些不画画的人很容易贬低一个艺术家的作品,但是当我来挑毛病的时候我必须准备好受到别的艺术家的反驳:"OK,让我们看看你怎么把它做得更好."森本从没有准确得按照上班时间来工作过因为他认为这工作并不简单.而且他希望他的团队也持有相同的态度.他说:"这使得他们的合作时间更长久,因为每个人为了同一个目标而相互协作."
如果可以描述他的工作的话,应该说他的作品是超现实主义的科幻小说,他最近正开始脱离那些幻想,而专注于被他称为特殊领域的"平凡生活中的不平凡事情,那些混合在一起的常见和不常见的事情".更多的人不愿意去看他们生活中那些平凡的事情,他们更愿意去保持那些超出他们生活的刺激.大友想去探索这种分裂.因为我个人的经历是有限的,别人的主张是非常有用的,特别是创造一小块区域中有很多不同的人,社会中的人就是我想去研究的.当他们喝醉时,他们之间的隔阂就消失了,你可以看到他们更多方面,这些都有利于交流."
他观念中的另一个新的发展是想应用对话，“过去，总是视觉的因素在影响着我的情绪，而不是文字，所以我把对话减少到最少，并不在这上面做很多努力，我认为运用对话是对运用绘画语言的一种不自信的表现。”这种转折是从看了卓别林的**式有声电影“大独裁者”开始的。他总能够保持作为演员的鼓动性和作为导演的缄默，但是卓别林在电影中对希特勒的那个演讲，让他明白了，语言对他来说有多重要。后来，他又是多么热衷于运用对话。
不做音乐宣传片之后，森本经常为一些完成的片段加进一些音乐，但是现在是首先考虑音乐的因素。“即使故事版中详细的标明了30秒中的每个细节，我发现我更愿意去听超过一分钟的音乐，或者承认我已经让观众们在紧张忙碌中失去了对影片的兴趣，有时候，音乐是带领人们到另一种效果的唯一途径。这表明片段往往是由音乐带领或者带来的，特别是在做音乐广告片的时候。所以，也许音乐应该在最初的时候就起到带领的作用。
他观念中的另一个新的发展是想应用对话，“过去，总是视觉的因素在影响着我的情绪，而不是文字，所以我把对话减少到最少，并不在这上面做很多努力，我认为运用对话是对运用绘画语言的一种不自信的表现。”这种转折是从看了卓别林的**式有声电影“大独裁者”开始的。他总能够保持作为演员的鼓动性和作为导演的缄默，但是卓别林在电影中对希特勒的那个演讲，让他明白了，语言对他来说有多重要。后来，他又是多么热衷于运用对话。
不做音乐宣传片之后，森本经常为一些完成的片段加进一些音乐，但是现在是首先考虑音乐的因素。“即使故事版中详细的标明了30秒中的每个细节，我发现我更愿意去听超过一分钟的音乐，或者承认我已经让观众们在紧张忙碌中失去了对影片的兴趣，有时候，音乐是带领人们到另一种效果的唯一途径。这表明片段往往是由音乐带领或者带来的，特别是在做音乐广告片的时候。所以，也许音乐应该在最初的时候就起到带领的作用。

基于对音乐的热情,森本晃司制作了多部动画宣传片,短短几分钟里包含了高度复杂的叙述.他为日本的技巧型明星Ken Ishii 制作的宣传片Extra,为他在东西方都赢得了地位.他也是为数不多几个在伦敦的工作室工作过的日本动画家,工作室的得奖影片Nexus,他制作了选出片Friday Weekend.Nexus的制片人Chris O'Reilly 说:'看Extra -是一部看起来有着颠覆性的,与其他的动画片**很不同的影片,我认为,对于通常的观念来说,在电影行业之外,动画片也可以是充满离奇的,但是范围狭小,只为那些孩子和艺术家.看起来他的作品非常深刻,华而不实的,黑暗的,性感的,危险的但是高度外向,他的电影就像是詹姆斯.卡梅伦,或者Ridley Scott的作品,如果他们也是动画家.动画片需要人们突破东西方的界限就像日本的清酒一样,取得广泛的承认,但是仍然不幸的是,这还只是小小的合作和联系.但是我们还是有特权去与一位我们非常敬重的导演合作的
森本晃司发现:"视觉的创意往往来源于音乐,或者是在喝醉以后和跟人们谈话的时候产生出来."在他绘制草图的时候就已经有了最终清晰图象的样子.随后,他与他的小组共同讨论这些创意和有关的技术问题."尽管这种讨论是有益的,但是缺陷是,在日本的动画片业中,一个参与动画项目的工作人员之所以参与工作更大程度上是过于注意这部动画片的导演的名气,和高的期望值,这些都给导演带来很大的压力,和责任重担."
首先决定设计和视觉风格,森本画出他脚本中的每个关键部分."故事版和脚本非常重要,如果那些概念和结构的草图不够好,最终动画片会变得支离破碎.脚本,故事版和音乐90%得决定了最终的效果."他认为传统的动画技术非常重要,因为他们提供了一个打破常规的机会."没有传统,颠覆就没有意义."
他首先将粗略的情节与他的小组进行交流,然后把它写出来.他制作故事版,加上一句:"这里看过后不需要多想."他同时设计和创作角色和背景,当故事版完成的时候,他会精确的知道需要多大的绘画量."你可以在交际的时候或者散步的时候思考那些故事情节,闷着头想只会让人感到无聊和更大的压力."为了减轻这些,他经常会想出一些新的方法来维持他的活力.任何在完成作品的过程中出现的偶然都是最受欢迎的.这就是为什么跟许多不同的人一起工作是非常有意思的.
对于他的工作,他用了一个英文词"紧张",这个词在日文中的意思是"好的精神",力量的联合,积极性和动力.如果一个他制定的计划没有被承认,他会归咎于自己的能力不足,并且为这失败而埋怨自己,以此来保持自己在这件事情上的紧张状态.他同样感觉到:'过去,我不怎么在乎观众,依赖那些陈词滥调和老套的东西,不把自己的情感放到一个单独的场景中,"这种保持紧张状态的很重要的实现可能就是他去做自由职业者的原因之一.他现在只接受那些能在他的脑子里本能和直接得反应出电影的那些工作.
在Memories的工作中,他也学到了紧张状态对于维系他的团队的重要性.在与他的工作人员就某个已经深入考虑过的问题进行接触的时候,他发现如果他没有维持紧张的时候,他们的交流就不会有效.'这对工作人员来说并不是坏,相反,我发现如果我不把自己的弦拉紧,是不会得到他们的回应的.' 

应该说他的作品是超现实主义的科幻小说,他最近正开始脱离那些幻想,而专注于被他称为特殊领域的"平凡生活中的不平凡事情,那些混合在一起的常见和不常见的事情".更多的人不愿意去看他们生活中那些平凡的事情,他们更愿意去保持那些超出他们生活的刺激.大友想去探索这种分裂.因为我个人的经历是有限的,别人的主张是非常有用的,特别是创造一小块区域中有很多不同的人,社会中的人就是我想去研究的.当他们喝醉时,他们之间的隔阂就消失了,你可以看到他们更多方面,这些都有利于交流."      他观念中的另一个新的发展是想应用对话，“过去，总是视觉的因素在影响着我的情绪，而不是文字，所以我把对话减少到最少，并不在这上面做很多努力，我认为运用对话是对运用绘画语言的一种不自信的表现。”这种转折是从看了卓别林的**式有声电影“大独裁者”开始的。他总能够保持作为演员的鼓动性和作为导演的缄默，但是卓别林在电影中对希特勒的那个演讲，让他明白了，语言对他来说有多重要。后来，他又是多么热衷于运用对话。      不做音乐宣传片之后，森本经常为一些完成的片段加进一些音乐，但是现在是首先考虑音乐的因素。“即使故事版中详细的标明了30秒中的每个细节，我发现我更愿意去听超过一分钟的音乐，或者承认我已经让观众们在紧张忙碌中失去了对影片的兴趣，有时候，音乐是带领人们到另一种效果的唯一途径。这表明片段往往是由音乐带领或者带来的，特别是在做音乐广告片的时候。所以，也许音乐应该在最初的时候就起到带领的作用。      他观念中的另一个新的发展是想应用对话，“过去，总是视觉的因素在影响着我的情绪，而不是文字，所以我把对话减少到最少，并不在这上面做很多努力，我认为运用对话是对运用绘画语言的一种不自信的表现。”这种转折是从看了卓别林的**式有声电影“大独裁者”开始的。他总能够保持作为演员的鼓动性和作为导演的缄默，但是卓别林在电影中对希特勒的那个演讲，让他明白了，语言对他来说有多重要。后来，他又是多么热衷于运用对话。      不做音乐宣传片之后，森本经常为一些完成的片段加进一些音乐，但是现在是首先考虑音乐的因素。“即使故事版中详细的标明了30秒中的每个细节，我发现我更愿意去听超过一分钟的音乐，或者承认我已经让观众们在紧张忙碌中失去了对影片的兴趣，有时候，音乐是带领人们到另一种效果的唯一途径。这表明片段往往是由音乐带领或者带来的，特别是在做音乐广告片的时候。所以，也许音乐应该在最初的时候就起到带领的作用。