编者的话
30年来，一次有一次再版·艾斯纳的书逐渐确立了其在现代漫画理论实践与创作技巧上一个非常重要的地位。1985年首版以来，《漫画和分镜头艺术》得到了作者长期以来的亲自追踪更新和修改。艾斯纳有意思地让他的三本教育/教学书籍作为可以长期用于事业的教科书，并尽力保存其生命力和持续的教学作。正是这种精神，让其去世后的W·W诺顿版本，第一次由一个全新的出版商，在尊重的基础上，小心翼翼地再次编著。
这本书的原始版本和它的第一本姐妹篇——《绘画故事和视觉叙事》，由普尔豪斯出版社出版——一个由威尔·艾斯纳自己兼职经营的非常微小的印刷出版社，这个小型出版社主要由他早些年前退休的弟弟彼特来监管。威尔·艾斯纳不仅是一流的创造者，也是野心勃勃的商人，他终究决定自己出版他的教育书籍，以在漫画产业的各个方面都站住脚跟。（他的教育三部曲最后一本《对于漫画和叙事富有表现力的解析》，在他去世后首次出版。）
威尔·艾斯纳全权负责普尔豪斯出版社出版编辑这块业务，其实，许许多多他的图形小说，杂志和漫画书被美国或者海外最为专业的团队出版和涉及，而他也不可能在漫长的职业生涯中，真正地运行一个出版社。因此，普尔豪斯出版社的编辑，把书集成册又重印了几十次证明了其在商业上的成功，如果没有现在复杂的扫描技术或专业艺术的指导，这终究讲失去意义。大多的插图，包括艾斯纳自己的作品，都交给普尔豪斯出版商，简单地用机械板制作，影印效果会有所欠缺。结果，大部分的图像印刷版本和原来的手绘效果有很大的差别。
对于这全新的W.W.诺顿版本，则是来源于艾斯纳完成的原始绘本，或其他艺术家同伴的艺术作品里，直接从中选取现有的最佳素材，扫描并存档。在本书的实例中，加入了不少新的作品，其中包括艾斯纳备用的图像文件。
为了继承作者的一员，我们更新内容是必要的，要减去过时的元素，添加新的元素来反映出科技和艺术现状。在卡通研究中心詹姆斯·斯图姆的指导下，新的“工具条”被添加，带来更多体现当代艺术的案例。加里·查洛纳（与艾斯纳合作《约翰·洛》）针对千变万化的数字漫画世界，做了很必要的更新。玛格丽特·肖恩细致的工作，对于更新和完成手稿来说是非常宝贵的。最后，由于斯图姆的加入，这些因素都被考虑到并带给了漫画领域有着长期经验的设计者——米歇尔·梵纳，还有克雷斯·恩昌，他们熟练而优雅地重新设计了这本书。诺顿版本的最后成功，要特别感谢安妮·阿斯纳、卡尔·艾斯纳以及南希·格罗珀，还有鲍勃·维尔和卡斯·魏特曼。我们队最后的结果非常有信心，一定能让作者满意。

前言
这项工作的目的是考虑和研究漫画和连环画（分镜头）艺术作为一种创造性的表达独特学科，用独特的美学观点从文学和艺术上用图像布局或者叙述故事，以及利用图像来表现文字。在器应用框架里的创作的漫画书，漫画剧本，普遍采用这种研究。
这种古老的艺术形式和表达方式，终于找到了它能适应当代的方式。过去一个世纪中，被广泛阅读的漫画读物、漫画书籍终究建立了其在流行文学中无可否认的重要地位。最为有趣的是，连环画（分镜头）艺术最近才开始慢慢地和电影产生关联，可是对于电影来说，连环画（分镜头）的确是一个先行者。
无疑，漫画在全世界受到了欢迎。然而，由于种种原因，连环画（分镜头）艺术作为一种学术讨论，其用途，主题思想和读者感知，已经被忽略了数十年。每个重要的组成要素，如涉及、图画、漫画和写作，已分别在各学科有了分量，这种独特的组合在历经漫长旅程后才找到其在文学、艺术，以及比较文学上的一席之地。我坚信，这种“接受”如此缓慢的关键在于那些坐在实践者肩膀上的评论家们。
对教学的合理关注也越来越多地提供了一个更好的气候，提高了漫画的生产价值，也是其内容和媒介扩张。，当我在1985年，第一次创作本书，我考虑的除非更多的漫画能捕捉到一个现在所不能捕捉到的更伟大的时刻，作为一个流派，希望它能得到更为严肃的关注。正如我经常告诉我的学生们：“伟大的艺术作品本身是不够的。”现在，我已经高兴，在20年后，《漫画和分镜头艺术》以及《绘画故事和视觉叙事》（漫画的表现与解剖》与叙事初步出版物》将被出版），成为越来越多观察者和艺术家得意以来并重视的书籍，并看到了与其文化内涵相称的评价。
这本书的前提是，漫画和连环画(分镜头)艺术的特点，必须得到评论家和实践者双方的互动。现代科技的发展加速了视觉沟通和图形时代的出现，二者的互动越来越密切。
最初，这项工作是作为文章在《Spirit》杂志上连载的。我的漫画以及连环画（分镜头）教学方案是在纽约视觉艺术学院的教授课程后的经验总结。为这门课程制定教学大纲，汇集了我职业生涯中所有的教学雏形，我一直比我同时代的人更享有多样化的技能和智力。传统上，大多数和我一起工作的实践者出版了他们自己的图像作品。甚少有人愿意对自身做一下诊断，他们的主要内容集中在其本身的技巧和发展和满足市场对作品的需求。
我开始拆除复杂的组成部分。给予书籍最原始的内容，并探讨艺术的形式。在这个实践过程中，我发现我自己不仅仅懂得艺术的应用，更把自己投入到“艺术的交流沟通”中。我创作这本书的目的是针对学生和专业人士，用务实的原理和联系，来 解读这种世界上最为流行的艺术表达方式。
在致谢的时候，我感到很困难，因为总是容易忽视一些见解为我工作提供帮助的人。我要感谢汤姆·伊纳教授，他鼓励了我，开始这项工作；感谢凯瑟琳·洛沃德的慷慨捐款并给予周到的支持，感谢我的学生们，以及我工作多年，让我感到快乐的视觉艺术学院。
这是一个服务于广大具有浓烈兴趣和求职渴望的视觉艺术学生们的过程，让我能够一次次改进这本书的内容。
——威尔·艾斯纳

第一章：漫画作为一种阅读形式
现在当代的报刊书籍中，漫画类书籍越来越战友主要的阅读市场。数十年来，漫画和讽刺画常被印刷在一些质量低劣的报纸上，那些缘故的印刷技术还有登着漫画的星期天刊物甚至不能保证作品的清晰度和颜色。当漫画市场的潜力越来越被发掘，对漫画质量的要求也越来越高。这些因素导致了高质量全彩色漫画出版物的出现，也让印刷和智障精良的黑白漫画读物有了属于自己的阅读群，并且吸引了更多的观众。
第一本漫画集（大约诞生在1934年）基本上随即收集了一些短小并且零星的形象。现在，在将近2/3个世纪之后，对于“手绘本”完成的概念，已经比一切都重要。需要总结技巧，固定结构。当漫画不再是描写一些零碎的形象而是梳理一个角色人物，其语言特点成为了漫画的一个独特元素。具备语言词汇魅力的漫画在美国不断发展。在20世纪之交，当漫画首次亮相在《每日新闻》，它已经渐渐以通俗读物的方式找到了广大的观众，成成为了年轻人，特别是他们早期时候的文学食量。依附着创作者和观众们共同的视觉体验，漫画传递它的语言。现代观众希望用一种更为简单易懂却又充满想象力的方式去诠释那些耳熟能详的故事。而漫画正是承载这种方式的最好途径。
汤姆·沃尔夫在《哈佛教育一览》（1977年8月）曾经撰文如此说：“在过去的几百年，所有阅读的主题都是一种所谓的文学深度......学习去阅读......也就是说，学习去认识字，但是，读书已经逐渐变成一种高等教育的认证。最近的研究却表明，阅读，其实就是普通人的行为状态，也是人们日常的活动信息的一种反馈和表现形式。因为，阅读——最通常来说——可是被认为不仅仅阅读深沉的文字读物；看地图、乐谱、图片等都是一种阅读的表现形式。”
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一个多世纪以来，漫画回本和漫画艺术家们在语言图像方面，的成功尤为突出。我坚信，他们所在的这个过程，实现了图文的成功结合。
漫画的形式在其文字和图像上都表现出蒙太奇手法，读者们需要有文字和图像阅读的双重感受力。艺术的表现力（例如透视、对称、线）和文学的表现力（例如文笔、情节、语言）相互综合叠加，让阅读漫画成为一种追求美感和思想的行为。
总而言之，汤姆·沃尔夫对于阅读形式的重新思考给了我们一个重要的提醒，也就是说，漫画阅读的过程涉及的文字和图像也值得分析，其结构、形状和散文有所类似。
从经济上的现状来说，漫画艺术的流行让一系列的图像作品和那些醒目的标志有了自己的市场。漫画艺术成为了一种新的语言——一种新的文学形式——如果你愿意承认。这是一种自创语法的具备连续性的艺术形式。
举个例子，《格哈德·斯努比》是一个关于人类精神的故事，翻开最后一页——一个决心向世界展示飞行能力的好男人，却死于刘丹，他的秘密随着他的死亡永远被封存。
最后一页描写了格哈德的死亡，既被刘丹从房顶上射杀的过程，第一组镜头告诉读者故事的高潮，用图文结合的方式让一句简单的话豪斯一个长长的段落。被射杀的过程用慢镜头的方式呈现了。“枪杀”的主题如此清晰，而格哈德显然就是中心。插图上的文字“呯！呯！呯！”和人物的姿势、手势以及鬼脸都是一种视觉语言，也是这一段的主语。
第二组镜头是结尾的插曲，并在此用身体语言和图形设计变成段落的谓语。
最后的阐述却需要观众打破从左到右的阅读概念。格哈德在半空中依然飞翔，而掉在地上的格哈德的眼睛却弹了出来。这种细节的设置让观众“阅读”的时候还需要具备物理概念（比如地心引力等）。
伴随着文字表述阐述了更为深刻的道理，提供了很多值得思考的信息。文字的视觉处理是版画艺术的组成本分。
漫画的字体艺术——
漫画的字体（手工绘制或者批量创作），让没一幅图片都可以为故
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事服务，并带有图形阅读的扩展功能。漫画的字体需要承载情感，也是圣衣和图画之间的桥梁。在我的漫画小说《与上帝的合约》中，我把字体放在一个有破坏感的平面上，来增加主题的冲击力。
题目的意义在图片和字体的结合中有了更清楚的表现。标题写在石块上——这比只把标题写在羊皮纸上更有一种永恒的意义，并让摩西十诫有一种普遍的认同行。甚至用希伯来和罗马字体结合的涉及，都是为了赋予这种意义。
另外的例子是蚊子如何结合艺术让“阅读”更有影响力。在接下去的一页《鬼神故事集》中，这样的字体表现形式是作者希望告诉观众，周围的声音是怎样的。在这个过程中也表达了一种特别的情感并修饰了图片3.
图3：结合这样的文字特点和创意。这种暴力血腥的影响一下子蔓延开来。
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第二章：图像
文字和图像是处理漫画的两个基本的交流工具。诚然，这是一种可以的分离。但是，在现代世界中，它创造了一种独立的学科并证明它是有效的交流方式。其实，熟练地文字和图形是一种单一的延生工具但他们都具有表现潜力。
这种把两样不想管东西结合起来的方式并不罕见。它们的换位在很久以前就发生过了。在中世纪产生的这种图文结合的艺术在17世纪以后就被渐渐地抛弃了。此后，艺术家努力想表达的东西却之停留在潇湘的面部表情、姿势、背景和象征。18世纪，传单出现了，而且很多流行小说得到大面积地出版。在20世纪，艺术家处理故事的方法，试图在一些列的序列中建立一种形态，用声音、语言、图像、思想、行动作为一种综合性的载体。在这个演变过程中诞生的艺术形式，我们成为漫画（法国人称为：bandedessinee）。
今天，这种艺术依然在发展过程中。回事整个20世纪，漫画艺术的发展已经被报刊杂志以及出版物大量呈现。如今，数字技术的产生让本章节所讨论的讲漫画故事的方法又有了新的延伸。
图像作为媒介
一张图片的表现需要有公众性。这一点要求漫画艺术家能够了解他的读者们是否能理解他所要传递的生活理念。特性和共性的交错是作者在图片所需要表现的亮点。成功与否取决于肚饿这们是否能从图片中感受到情感和深层的意义。因此，渲染的技巧和整体结果的把握是高难度的。风格和技巧成为图片的一部分并且决定了它要说些什么。而且，今天的创作者可以选择用传统方式绘图或者利用先进数码科技，或者，两相结合。每一种选择都提供了可利用的可选择技术、频道、观众以及粉丝群。
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文字作为图像
词组来自于文字。文字本身就是一种图像，并包含了想死的形式、对象、姿态以及可辨认的字体。所以，它们变得很有意义，表现手法可以是具体的，也可以是抽象的。
在中文和日文的发展演变中，一种纯粹的象形文字慢慢地诞生了。最终，这样的文字成为一种视觉的象征。视线了象形文字到字符的转变，并且产生了书法和不同流派的书法艺术。对书法艺术的渲染逐渐上升为一种艺术形式，也成为一种诱发美、节奏感以及个性的技术。就这样，书法成为另一种意义的图画，这一点和漫画创作有一定相似性。漫画家也需要在文字变成图形的过程中运用情感和找到风格。
在汉字书法中，笔画的风格决定了其审美艺术。就像两个芭蕾舞者对同一段舞蹈的不同诠释，书法的风格，甚至有着更大的空间。当书法艺术运用在漫画艺术中，这种风格产生的重量，微笑地传递着美感和故事的信息。组成文字的字母，当在一个单一风格形成的时候，就贡献了意义。这不像口语，口语是被声音和语调的改变而影响的。为了说明这一点，我们
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从古汉语和古埃及语中找一个铜板的象形文字来表达象形文字漫画的相似之处。
现代漫画的“象形文字”表现和当代漫画有很多相似的地方。其风格的发展和书法很接近。其风格的发展和书法很接近。通过这种手法，来渲染蕴含在里面的情感。最后，加上文字的表述，会传递给读者最准确的信息。
组成文字的字母，当在一个单一风格形成的时候，就贡献了意义。
文字作为图像，是漫画家施展
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潜力最尖锐的焦点。毕竟，这是用艺术图形来讲故事。在艺术家的手中，由一个个字母组成的故事所编制的艺术感觉组成了可以牵动情感流动的图画。
在这样的对于漫画艺术的理解和表达构造之下，漫画家刻意解剖人性，承接故事，涉及深层次的意义，让漫画成为彰显复杂人性的博览会。
没有文字的图画
也许可以做到完全用图画去讲一个故事，并不需要文字。下面的故事“候嘉和优基，第二部分”（首印，3月23日，1947年）完全是一种哑剧，用图形为表达和叙事服务。在无对话的前提下，直接用人物戏剧化的动作来表现对话的可行性。
可能做到完全用图画讲述一个故事。
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“具有公众性特点的漫画，即使没有对话只有动作，也具备了阅读和引起共鸣的可能性。”
挪威漫画家杰森笔下那些面无表情的角色和充满诗意的故事为他赢得了国际声誉。杰森的漫画用平凡的细节结合了超现实主义的匀速，绘图技巧收放自如并且有所取舍，探索着关于童年、死亡以及人类关系等人们共同关心的话题。
接下去两页故事来自他的故事集《嘘！！！！！！》，杰森笔下的标识化人物就是死亡。默声方式，五行中增加了故事的可看性和幽默感。每一个都容易看懂，每一页都有着节奏感，就像一出精彩的哑剧。任何母语的阅读者都可以轻易地看懂，也让他的作品拥有了全球范围的读者群。
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没有文字的图像，更代表了漫画的一种原始形式。对于它们的阅读，的确需要作品具有公众性，并且有共性的生活体验和对于漫画前后联系的观察是感受这些漫画角色的必要途径。
连环画（分镜头）的艺术实践中有一个很难被忽视的技术问题。图片的数量是被限制的，如果是电影，几百倍的图片都能背串联起来成为一个连贯动作，而停在智障上的图片的效果却似乎是有限的。然而，这种限制未必是不利的，事实上，这样的方式要求读者在同一时间感受许多图像带来的感受，这恰恰是电影所做不到的，也是漫画拥有的奇异的能力。
在右侧的图片中，是为了观众阅读而产生的对话，但是对话的精确性，并不重要。
例子：
她：我的生活完了——因为和你住在一起。
他：（沉默）
她：你这个蠢货！看看你，软弱，什么都不是！
他：（心中默默地说）我不能再忍受了，他妈的太过分了！
她：不要成天坐在电视机前面，你什么也不做，什么也不做！！
她：听着，我再也不能忍受了！！
具有共性的生活体验和对于漫画前后联系的观察是感受这些漫画角色的必要途径。
这个来自于《生活在另一个星球》的片段是另一个影响叙事的好例子。这里，特定的主题和其拥有的“真实”情感和他们间的互相影响，让艺术表达非常清晰。线条和风格运用虚实结合，就像书法，让角色的情感跃然纸上。
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第三章：流动的时间
在一段持续时间内发生的现象，让定格的以个个时间点变成了流动的时间，这是衡量连环画（时空感）分镜头的标准。在宇宙间，人类的意识形态总是和周围的空间和声音分割不开的。这些观念、行动、情感和动作组成了人类之间的互相联系并互相影响。
没人可以离开时空的海洋，所以，我们在学习的最初阶段，也要着重明白这个道理。在一个个镜头中，声音是通过视觉被听见的，并且要有其距离感。时空是要能被感受到的，并且可以通过前后画面流动起来。时间也是虚幻的——我们通过现象去衡量和感受这时空的变化。就像在原始社会，总是用太阳的位置，植物的生长情况，判断季节的变化和时间的转换。当然，在现代社会，钟表的出现，让时间有了更多的意义。这一切对人类来说，非常重要。某些程度上来说，时间安排了每一刻的生活内容，这一点在漫画中也是至关重要的元素。
判断视觉叙事是否成功的重要元素是它是否有“时空感”，也就是“真实感”。做到这一点，才能真正让读者们感觉到作者所要表现的“喜、怒、哀、乐”。在我们所理解的戏剧空间里，用图像来说故事的作者把一切都渗入在艺术创作中。漫画作品中画
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面和画面间是否有“时空感”决定了读者理解这部作品的难易程度。对于时空感的把握，更有助于把握作品中蕴含的情感和信息，这是漫画和连环画创作的重要元素。
漫画的“真实感”在创作中通过实践和空间的巧妙设置而越来越强。当音乐或者其他听觉类的艺术形式充满节奏感地给予一种环境体验的时候，漫画的时空感和其中蕴含的听觉原则，给了读者更多的幻想空间。
对话框
对话框是一个决定性的装置。它包含了所有游行的声音元素。框住对白的这些“小气泡”，彼此的安排都是有角色语言逻辑秩序的。或者说，对话框的位置是人物充满考虑的，这也有助于了解故事发生在怎样的时空。对话框必须让读者了解人物充满考虑的，这也有助于了解故事发生是在怎样的时空。对话框必须让读者了解人物对白的先后关系，以及时空的转换。对话框的处理让我们明白一段持续时间内发生的故事。
对话框的阅读形式以及说话者的关系和文章的阅读方式基本一致。（比如在西方国家，阅读方式从左到右）最早产生的对话框形式，就是从人物嘴里吐出一个有尾巴的气泡框住人物的对白。（小尾巴对着角色的嘴巴，图14。）但随着漫画艺术的发展，对话框在形状和细节上都有了一定的变化，变得更加成熟。形状不再是一成不变的“小气泡”，而是更有助于读者对故事的理解。
气泡形状的对话框被广泛运用是因为他们很好滴为对白提供了一个外壳。很快，它们有了为故事加深意义的作品，以及用声音让叙事更为真实（图15）
出啊如气泡及文本框的手写字体是最具风格和表现力的变现手法。
在对话框里面，每一个单词都蕴含了对白的情感。这是表现作者自我风格的最好展现方式，也是体现人物性格的直观方法。
在对话框里，每一个单词都蕴含了对白的情感。这是表现作者自我风格的最好展现方式，也是体现人物性格的直观方法。在对话框里加入其它国家的语言文学，可以让某些人物的对白更加有现场感。那种可以的、机械的方框也许没有“气球”等会画框的魅力，看起来没有“气球”对话框那样灵活。但是在特定的时候，不可否认，它也会产生一种独特的内在力量。可以的对话框和写意艺术形成对比。
决定“地画框”的内容需要审美和技巧的两相结合，特别是当艺术家
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在这一点上是有所欠缺的时候。“对话框”的内容永远是漫画中一个重要的表现形式和文本插入图片的主要表现手段。
“手写字体”的不可重复性让人物的语言更有生动性。有些漫画家甚至将这项任务分给其他艺术家来完成。当然，也有很多艺术家希望由自己独立完成作品，如果美学家不强求每一个漫画家都用手写的方式来诠释特别的美术作品，那么今天，很多电脑软件可以帮助漫画家拥有符合人物性格的各种字体。而这些字体本来就是很多漫画家作品的一种总结。关于软件方面的小小投资，总是可以帮助艺术家节省自己的时间，或者节省雇佣其他艺术家帮助完成字体部分的佣金。当然，他们必须慎重地考虑，每一种字体用在图片中产生的效果以及它们的适合程度，是否能提供读者所需要的信息。如果不具备这样的判断能力，就会分散读者的注意力，并产生比较糟糕的结果。一个形状不具备没管的对话框，就像是别叫的大拇指一样，始终给人突兀的感觉。
时间感
爱因斯坦的相对论中，时间相对我们来说，也不是绝对固定的。在漫画作品中时间更是与其相对创作的人物动作等有对应关系，从而传递给读者“时间感”。从本质上来说，连环画中的一个画面显现一个戏剧动作。一个油一个画面的连接为读者展现了一段时间内发生的一个事件。当然，这样的方式，就在画面的转换中，告诉了观众时间的变化。时间的流逝是通过一个又一个连续画面中细节的变化而得到体现的，就像一连串画面在一个框中快速反转产生的结果。这些被框住的图片是故事成立的催化剂。事实上，画框内包含的符号、图像和内容都需要互相融合，经过催化，产生化学效应，而这些效应最好是无法脱离画框的运用，就像是在一段话中使用标点符号，让表述更为清晰，一旦建立就可以从一个又一个被框住的戏剧动作中，产生时间在流动的幻觉。
在现代的漫画作品中，图片和图片的链接是时间变换的基本元素。这些绘制画框的线条表现了一个凝固时间中的停止动作，并用两个定格动作让画面流动。这些框框把故事分割成一个个段落，承载着叙述功能。对白框，另外一种表达时间和对话的承载物，对于描绘时间来说，也是非常有用的。其他在画面中产生的自然现象、季节变化也是表述时间变换的一个重要的符号或者词汇语言。这些对于作
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