我自12岁时，开始接触声乐。接触声乐之后，我碰到过很多老师。对于声乐，不同的老师有不同的说法：打哈欠、一口水将咽未咽，等等等等，也各有各的道理。我认为，正确的声乐方法只有一种。但是，由于这一方法博大精深，涵盖面很广，所以很多老师就打了许多比喻，便于记忆和学习。我最为赞同的一种比喻，是现在我的老师所说的“惊奇”。  
老师给任何学生的第一节课，首先阐述一下“惊奇”的大概，接下来开始练声。而他对学生体的第一个实际要求，就是“大声唱”。这也是“惊奇”思想的基础——用真声唱歌。据老师说，沈湘老师曾告诉他：“即使是紧，也一定要保证真声。”真正喜爱声乐，到处寻找大师录音的人不难发现，没有一个声乐大师使用假声。女高音也好，男高音也好。不同的大师条件不同，对于声音润饰的侧重点也不同，但是基础是真声。帕瓦罗第也说过，一个用假声的女高音是不会有任何前途可言的。所以，即使学生觉得再难听，再别扭，老师也坚决地要求使用真声——甚至要求：“白一点！”“你给我白出来！”  
我遇到过许多人，都认为真声和打开是矛盾的。有人用真声唱歌，他们就诬其为：“横着开。”不知道这个结论是怎么得来的。真声和打开是绝对不矛盾的，而且“惊奇”的思想也要求我们在唱歌时打开。“惊奇”的打开不仅仅是指口腔，软腭，喉头。这一思想将气息和位置都包含进“打开”这一概念中。  
位置，其本质是鼻咽腔的打开，使声音更加容易地进入腔体。因此，老师在学生学习了三个月左右，会要求他“把硬腭推进去”。然后，这个要求渐渐演变成“感觉鼻腔延伸了”，最后直接说“位置”。“惊奇”的思想认为，位置是真声的保证，也是松弛的保证。只有鼻咽腔在喉头打开的同时打开，才能保证声音的方向是向前、向外的，才能保证下巴、舌根之类的地方不“帮助”喉头打开。而松弛，是打开的保证。  
气息，是打开的结果，也是保持打开的动力。因为打开，所以从横膈膜到头部腔体的“管道”畅通无阻，这样，横膈膜不得不对气息进行支持。也就是说，不打开、没有位置的人，是没有气息的——即使他在腰上用多大的力气。  
老师讲打开，很多时候很抽象。虽然在生理上，位置、喉头、胸腔、气息，分别在不同的位置作不同的动作，但老师会说：“打开要觉得下巴、胸腔没有了，就觉得上颚在额头这儿，张开一个大嘴。”亦即所有的打开都是统一的，而且是松弛的。他在教育学生时，并不会一直注意他的喉结下到哪里了，除非课上学生一直不能很好的打开喉头，才会要求学生摸喉结。有时，他甚至说：“有的人不懂唱歌，一旦练到喉结下来了，他也就完蛋了——因为很多不该用力的地方都被他练进去了。”  
既要松弛，又要打开，这听上去似乎是不科学的。我曾一度将声乐理解为上述各种动作的集合，其实这是不对的。“惊奇”思想最最精要的部分，就是“情绪”。老师认为，唱歌是一种情绪。并不是在唱歌同时做一个什么动作，状态就会正确，就能解决问题。  
对于这一层意思，老师在教育的一开始，就有所要求：“要在发声的同时惊奇。”他反对学生在发声之前吸一口气时惊奇，发声时却没了。要体会这种感觉，可以做一下“平均呼吸”练习。在吸气时惊奇，然后不停顿地、平均地将气呼出来，不仅要听不出呼吸之间的停顿，在事实上，呼吸的状态也要统一。另外，老师要求学生“唱歌时有叹息的感觉。”这也可以帮助我们感觉到“惊奇”是一种情绪。  
对于这种“情绪”，言语很难表述。我只能客观的对于现象进行一些描述，而不能揭示它的实质。首先，这种“情绪”是主观上想唱歌的一种情绪。其次，这种“情绪”是完整的打开。你不会感觉到哪个特别的地方在打开，而且感觉特别像说话。而且在唱高音时，也是整体状态共同的变化，不是某个地方猛地一用力。最后，这种感觉是可以发展的，好像状态没有“满”，还可以再打开一点，还可以再打开一点。