自从1978年广东电台恢复播放外国古典音乐之后，受到听众们的欢迎，但同时又引起一些问题。有些年青的朋友写信来说：“我很喜欢欣赏古典音乐，它们的旋律很动听，内容丰富多样，但一碰到大型的乐曲，例如交响乐、协奏曲之类，有时就会感到茫然，一大堆乐器奏出很多音乐，怎样去理出一个头绪来呢？”我想：这个问题的提出是很自然的，因为一个刚刚接触到这类乐曲的人，必然会碰到这些问题，正如对一种未了解的事物，你要去掌握它、熟悉它，自然要经过一个理解的过程，世间很多事情很少一蹴而就的。为了提供一些欣赏古典音乐的方法，我就制定一个时间表，打算用分门区别、循序渐进的方法和电台的听众一起探讨。这里面有些是我在长期欣赏古典音乐的过程里，总结出来的一点点经验，有些则是参考了一些音乐欣赏的著作而归纳出来的方法，供他们参考。有一部分资质特别的听众不一定循着这个方法进行，因为各人情况不同，有些人可以直接登堂入室、进入音乐的自由王国，但这种爱好音乐者毕竟少一些，对于一般的听众，我这个方法还是有一定的参考价值。不过这个“怎样欣赏交响音乐”的题目相当大，包括的内容也很多，所以我准备分成12个单元来谈它，这12个单元是：1.感性式的音乐欣赏，2.理性式的音乐欣赏和管弦乐队概念，3.欣赏初阶－－舞曲和进行曲等，4.变奏曲在交响音乐中的地位和作用，5.回旋曲和赋格曲在交响音乐中的地位和作用，6.交响音乐的灵魂－－奏鸣曲式，7.管弦乐序曲，8.管弦乐组曲，9.协奏曲，10.交响曲，11.标题音乐和交响诗，12.交响音乐的个人风格与流派。

自从1978年广东电台恢复播放外国古典音乐之后，受到听众们的欢迎，但同时又引起一些问题。有些年青的朋友写信来说：“我很喜欢欣赏古典音乐，它们的旋律很动听，内容丰富多样，但一碰到大型的乐曲，例如交响乐、协奏曲之类，有时就会感到茫然，一大堆乐器奏出很多音乐，怎样去理出一个头绪来呢？”我想：这个问题的提出是很自然的，因为一个刚刚接触到这类乐曲的人，必然会碰到这些问题，正如对一种未了解的事物，你要去掌握它、熟悉它，自然要经过一个理解的过程，世间很多事情很少一蹴而就的。为了提供一些欣赏古典音乐的方法，我就制定一个时间表，打算用分门区别、循序渐进的方法和电台的听众一起探讨。这里面有些是我在长期欣赏古典音乐的过程里，总结出来的一点点经验，有些则是参考了一些音乐欣赏的著作而归纳出来的方法，供他们参考。有一部分资质特别的听众不一定循着这个方法进行，因为各人情况不同，有些人可以直接登堂入室、进入音乐的自由王国，但这种爱好音乐者毕竟少一些，对于一般的听众，我这个方法还是有一定的参考价值。不过这个“怎样欣赏交响音乐”的题目相当大，包括的内容也很多，所以我准备分成12个单元来谈它，这12个单元是：1.感性式的音乐欣赏，2.理性式的音乐欣赏和管弦乐队概念，3.欣赏初阶－－舞曲和进行曲等，4.变奏曲在交响音乐中的地位和作用，5.回旋曲和赋格曲在交响音乐中的地位和作用，6.交响音乐的灵魂－－奏鸣曲式，7.管弦乐序曲，8.管弦乐组曲，9.协奏曲，10.交响曲，11.标题音乐和交响诗，12.交响音乐的个人风格与流派。

一、 感性式的音乐欣赏

首先，要说明一下“交响音乐”的定义，是泛指西洋管弦乐队演奏的乐曲，例如交响乐、协奏曲、管弦乐曲，管弦乐序曲和组曲，以及交响诗等等。这里的“交响音乐”和“交响乐”(交响曲)是两个不同的概念，交响乐只是交响音乐里的一个品种，两者不能等同起来的。这一类乐曲演奏起来，由于乐器很多，乐曲结构有繁有简，篇幅即乐曲的长度，小的两三分钟，大的长达八九十分钟，欣赏它们无疑要比欣赏独唱歌曲和器乐独奏曲要难一些。不过这也是相对而言，因为有些器乐独奏曲也可能是比较难以理解和欣赏的。
我曾经接过一些电台听众朋友的来信，他们问到我以前是怎样开始欣赏古典音乐的。起初我先是对唱歌发生兴趣，那时中外古今的歌曲都唱，亦可以说欣赏歌曲是最基本的阶段，越唱兴趣越浓厚，后来觉得不过瘾了，就向器乐曲方面踏了第一步。那时是40年代，我已经对管弦乐演奏的音乐发生兴趣了，但当时由于条件所限，家里连一架收音机也没有，更不用说现在那些电唱机、收录机、音响组合和激光唱片等等现代音响器材了。另一方面，那时笔者还只是一个普通的音乐爱好者，也没有什么系统的音乐理论基础，只要找得到有关音乐的书、报纸、杂志，就一口气把它们读完，能理解多少算多少。那时笔者结交了一些志同道合的同学和朋友，家里经济状况较为富裕，有台电子管的收音机，同时我们又尽力打听到电台在什么时候有古典音乐播放，于是常常聚集起两三个知心朋友，在收音机旁边按时收听音乐。我国有句成语：“囫囵吞枣”，不管懂不懂，都一律照听，这种欣赏的方式，可以称为“感性式的音乐欣赏”，也就是这个单元要探讨的问题。

所谓“感性式的音乐欣赏”就是不论你有没有音乐理论的基础知识，只要你喜欢，凭着兴趣和感情，硬是钻进去就成了。那个时候我和同学们最喜欢听的古典音乐，除了管弦乐小品之外大概有贝多芬的《命运交响乐》、《英雄交响乐》和《田园交响乐》，舒伯特的《未完成交响乐》和德沃夏克的《新世界交响乐》等等这些到现在仍然是热门的曲目。为什么呢，首先这些乐曲的旋律都非常动听，容易接受。第二是那时的电台播放这一类交响乐的次数也比较频繁，所谓一回生，两回熟，听音乐有时也会像交朋友一样，你和他接触得多了，你就更多地了解他。这样，在那些美妙的音乐中浸淫的时间长了，久而久之，从生疏到熟悉，像《红楼梦》里，贾宝玉品茶一样，慢慢地就品出味来了。以后，单听这几个交响乐是不够的，随着电台曲目的转换，你会接触到更多和未听过的乐曲，你熟悉的音乐也会越来越多，范围也越来越广。

听完了舒伯特的《未完成交响乐》之后，你有什么感觉呢？据我的经验来说，我觉得从音乐中体验到一种忧郁的沉思、诗意的气氛，内心的彷徨，已经达到了凄楚的程度，这也是舒伯特要在音乐中表达的思想和感情。当然音乐当中也有明朗和较为舒展的部分，例如以大提琴大奏出的主题就会使人感到安抚。第二乐章则充满了温馨和如梦如烟的情思，但从整部交响乐来说，总的情调是悲剧性的。说起悲剧，在文学艺术方面它是最能打动人心的，莎士比亚的《罗密欧与朱丽叶》的缠绵悱恻，《奥赛罗》的强劲沉雄，都使人看了之后久久不能忘怀；巴金的《激流三部曲》中，《家》、《春》、《秋》写的也是一个悲剧，它反映了一个没落的时代，一个没落家庭的悲剧，这在当时的社会是很典型的，但这个悲剧过后，会迎来一个新生的社会，这些著作都能够产生一种感人的力量。音乐也是如此，舒伯特所处的时代动荡不安，生活上穷愁潦倒，柴可夫斯基的“世纪末”的敏感，拉赫玛尼诺夫为即将逝去的旧俄时代唱着挽歌，他们的音乐也一样会产生强烈的悲剧感，很容易深入人心、打动人心。笔者有一个体会，听了舒伯特的《未完成交响乐》的第一乐章之后，如果不听它的第二乐章，心理上会产生不平衡的感觉，因为也像其他艺术一样，需要有对比，乐器音色的对比，和弦色彩的对比，从整部作品来看，要有乐章之间的对比，这样才能得出平衡与统一。《未完成交响乐》的第二乐章也一样充满诗意，虽然还有那么一点忧郁的色彩，但已经没有什么矛盾和冲突，情调也明朗一些，好像孤独的心丢弃了绝望的痛苦，在感情世界里面去寻求慰藉。还有对生活的热爱，渴望生活中的欢乐和美，渴求从折磨人的苦难和悲伤中求得解脱。

从对比的角度出发来说明“感性式的音乐欣赏”的另一方面，我建议朋友们去领略贝多芬一部充满斗志、英雄式的音乐诗篇，他最著名的《C小调第五交响乐》，又叫做《命运交响乐》。许多年来不管文学作品，包括小说、散文、剧本里，常常出现描写这段音乐，即“命运敲门的声音”这个主题的文字，在电影和电视里也常常出现《命运交响乐》的音乐片断来烘托剧情，以取得一种富于寓意的特殊效果，可见这部音乐作品已经深入人心。当然，有些应用得好的会增加剧情和画面的感人力量，但也有的运用得很牵强，未必能达到预期的目的。而且这里用，那里也用，用得太多太频繁了，就显得“滥”了，就会失去动人的魅力。不过，在纯粹欣赏这部交响乐时又当别论。无论什么时候，只要你一听这部音乐，精神上就会受到鼓舞，这种情况，在你欣赏别的作曲家的作品是很少碰到的。而且一部交响乐作品，很像一部文学巨著，当你在青少年时欣赏它，自有一番初步的感受，而随着年龄的增长，社会阅历的加深，对人生的看法也比较成熟，当你再次欣赏这部交响乐或者文学巨著时，你会有更多更深刻的感受，这些音乐和文学作品之所以能够流传很久、很广泛，它的道理就在这里。你多欣赏一遍，有时会发现一些东西是你以前没有注意到的，所谓博大精深，就是真正的文学艺术能够有持久的生命力的奥秘。
贝多芬的《命运交响乐》作于1808年，其实早在三年前他就已经开始酝酿这部伟大的作品了。虽然在这几年里贝多芬还写了好些作品，例如《第四交响乐》、《热情奏鸣曲》等，但他始终没有中断过这部交响乐的构思，一个所谓的“命运”的主题一直在他的脑子里翻来翻去。命运，它真的主宰千百万人的生活吗？无数的悲剧和幸福是由“命运”所操纵着的吗？欧洲启蒙运动的思想使贝多芬对所谓的“命运”产生了怀疑，能不能用人的意志力去克服它呢？能不能用不懈的斗争去改变自己的生活，也即是所谓“命运”呢？这就是贝多芬在这一部充满哲理性的音乐作品中要探讨的问题。在音乐里，他揭示了人在生活中遇到的失败和胜利，痛苦和欢乐。生活和道路可能是坎坷不平，崎岖曲折的，要通过战斗才能摆脱“命运”的左右。 
打开这部交响乐的大门的钥匙是下面那个特定的主题：
－。贝多芬曾经说过：“命运就是这样敲门的。”他还说过：“我要扼住命运的咽喉。”这两句话是我们去欣赏这部交响乐最好的启示。当这个“命运”主题出现之后，就以各种不同的变化和形象在音乐里出现：有时是威严的，有时使人感到生活的艰难险阻，有时候是欢乐的，但又表现了倔强的情绪，甚至透露出悲哀，真是千变万化，呈现了复杂的众生相。在这些诸多的变形中，如果你留心地聆听，还是可以辨别出这个主题的本来面目，而且随着音乐的进行，你可以把自己的感情也投进去，和音乐融化在一起。 
当你第一次听这部交响乐时，不可能百分之一百地了解这些音乐。我在前面说过，欣赏一部内容复杂的交响乐作品，会像结交朋友一样，不可能凭一面之交就能够比较透彻地了解一个人的性格和表现，何况他的内心世界，这也许是一辈子的事。但不要紧，只要你有兴趣，你在以后的岁月里可以多番欣赏它，以后还要欣赏贝多芬其他的作品，还要欣赏其他作曲家的作品，这可能也是一辈子的事。

上一期在阐述了感性式的音乐欣赏之后，自然就要转到理性式的音乐欣赏这一部分。所谓感性式就是说当你在欣赏交响音乐时，可以不管乐曲的结构，什么反复、模进、两段体、三段体、主题的对比、变奏曲、回旋曲、奏鸣曲等等的概念，只要你在音乐的洪流中寻找感情上的共鸣，捉摸作曲家心灵的轨迹，追随他在音乐里吐露的心声，灵魂的剖白，与他一起体味着欢乐和哀伤。然后，随着你欣赏的的次数与日俱增，你会慢慢地加了体会，从音乐中品尝到比欢乐和哀伤以外更加多样、更加复杂、更加深刻的感情，所谓七情六欲尽在其中，而这些感情是难以用语言和文字来表达的，也就是俗话所说“只能意会，不可言传”。如果你达到这样的地步，就证明你已经是初步入门了。但这还不是最终的阶段，如果你对这个觉得不够满足，要求得到更多一些，那就要再进一步，欣赏交响音乐的结构美、色彩美等等。最后还可以更深一些欣赏每个作曲家的创作方法、表现的风格，还有演奏方面的，包括独奏、乐队和指挥的特点，再就是唱片中的录音效果，版本比较、指挥、乐队、独奏者在不同的时期所录的不同版本的比较，如果你达到这样的阶段，那就是进入随心所欲的最高境界。 
一般来说，对交响乐的欣赏，大都是从感性式欣赏逐渐转到理性式欣赏的，但有时可以是两者同时进行的。理性式的欣赏也可以分为两种：一种是音乐专业人士，或者是音乐学院的学生，他们在欣赏的过程中，要同时弄清楚乐曲的结构，研究乐曲应用的和声手法、创作手法和配器手法等，对他们的要求是高得多的。但作为一个普通的音乐爱好者，如果你要像前一种人那样去钻研，那也未尝不可，如果你对交响音乐的基本知识有一个大概的认识，即曲式结构、乐队音色等懂得越多，那么你在欣赏这些音乐时就会得益越多。就拿曲式结构来说吧，，一部交响音乐绝不会由长长短短、互不关联的音乐片断凑合而成，它本身有着自己的规律和结构，这些结构就是所谓“曲式”。曲式有多种多样，对称的、不对称的，都是乐曲构成的因素，阐述这些因素要多花一点篇幅，这个留待以后再一一论述，现在先谈交响音乐的色彩美。因为交响音乐是用一个大型或者较小的管弦乐队来演奏的，它有很多种乐器，先辨别一下这些乐器的音色，对欣赏将会大有好处。 
所谓音的色彩，就是同一个音高，用一种乐器奏出来，得到的色彩是和另一种乐器奏出来的同一个音是不同的，就拿人声来说吧，从某种意义来说，人声也是一件乐器，不同的人也有各种不同的音色，例如在合唱队里，有女高音、女中音、男高音和男低音四个声部，虽然大家都唱同一个音，如果分声部来唱，你可以很容易分辨出来。当你听帕瓦罗蒂的唱片时，你大概不会以为是多明戈或卡雷拉斯在唱，虽然同是男高音，但他们各有自己独特的色彩，内行的音乐爱好者一听就能分出来。就拿我们日常说话来说吧，有些人尖声细气，有的共鸣很大，粗壮得像牛叫，你熟悉的人在隔壁房间讲话，你虽然不见其人，但你也可以凭声音辨别出是某人在讲话，每人有每人的音色，就是不同的色彩。 
一支管弦乐队的色彩就更加丰富了，它们品种繁多，就像一盒水彩或油画的颜色一样，如果拿它们互相搭配混合，还可以调配出很多的变化色。在管弦乐队里，一件乐器独奏时和一组同样的乐器合奏时，音色也是完全不同的。举个例子来说吧，一把小提琴独奏，和一组小提琴合奏同一个音，效果都不一样，如果一组小提琴用分奏的方式，也即是分为两个声部来演奏，效果更不一样，它会增强了厚度。你不妨拿里姆斯基－柯萨柯夫的交响组曲《天方夜谭》听一下，其中代表舍赫拉查达的独奏小提琴声部和整个乐队或光是小提琴合奏声部是不一样的。 
一个管弦乐队的形成和编制，是有它自己的历史的，这个问题因为不在这次探讨的范围内，所以暂时不去谈它，留待以后适当的时机再去阐述。大体来说，管弦乐队可以分为木管乐器、铜管乐器、打击乐器包括一些色彩性乐器，以及弦乐器四大组成部分，而每个部分又由几种不同的乐器组成。现在按照管弦乐总谱的排列次序，由上至下加以简单的介绍。

木琴在管弦乐里虽然不怎么常用，但是只要它参加演奏，就会做成一种很特殊的效果。圣•桑在他的交响诗《死神之舞》里，用木琴表现那些死人骨头在嘎嘎作响，就很有代表性。圣•桑在他另一部作品《动物狂欢节》里，有一段标题是《化石》的乐曲，也用了木琴那干枯而又响亮的音色来表现干巴巴的化石，以暗示和嘲笑自己和同时代的作曲家因循守旧、思想僵化的弊病。 
钢片琴这件乐器有很浓的色彩性，最著名的例子是柴可夫斯基的芭蕾舞剧《胡桃夹子》里的《糖梅仙子舞曲》。那段音乐采用了钢片琴作为主奏乐器，它的音量虽然小些，但却会形成一种幻想性很浓郁的效果。在这里还有一个小故事，1819年3月，柴可夫斯基接到美国纽约音乐界的邀请，把写好了的《胡桃夹子》第一幕暂时放下，转而出发到美国去。在旅程当中他在法国巴黎等候轮船，发现当地的乐器店有一种新的乐器，那就是钢片琴。柴可夫斯基试奏之后，发现这乐器的音色很特别，大可利用，立刻请他的作品出版商人尤根孙帮他买一架运回俄国，而且要保密。因为柴可夫斯基心想，他的朋友里姆斯基•柯萨柯夫也是一位管弦乐法配器大师，如果消息走漏被他知道，就会抢先在乐曲里应用，那么《胡桃夹子》公演时那效果就不新鲜了。 
在管弦乐队里，竖琴也是一件常用的乐器，有时还用两架竖琴一起演奏，有时用以增加音量，有时分别演奏两个不同的声部，以求得理想的效果。竖琴那华丽的音色，丰富的表现力，是没有其他乐器可以代替的。也是在柴可夫斯基《胡桃夹子》里，《花之圆舞曲》开始时好用了竖琴，充满童话情调，而且形成了幻想的意境。 
作为一件单独的乐器，钢琴的作用有好几种。首先它是一件独奏乐器，在欧美的音乐文献里，钢琴独奏的作品汗牛充栋，简直多得惊人。同时它可以和乐队一起合奏，它充当主角的地位。它还可以和其它乐器一道演奏奏鸣曲、室内乐之类的作品，他们的地位是平等的。再其次钢琴也是一件很理想的伴奏乐器，举凡声乐、器乐独奏作品，大都用钢琴伴奏。主要原因是钢琴音域宽广，音色丰富，演奏技巧复杂多样，表现力非常强，有时还敌得住一个管弦乐队。在比较大型的管弦乐队里，钢琴有时也占有一席之地，担任其中一个声部，作为一件色彩性乐器来用，而它的音色又有别于竖琴，无法取代。这种用法和钢琴协奏曲不同，在钢琴协奏曲里，钢琴是一件主要乐器，它的地位是君临一切，常和乐队相抗衡。在一般的交响音乐作品里，他是次要的。例如法国作曲家丹地的《法国山歌主题交响乐》里，钢琴的地位十分重要，但作曲者不叫这部作品为钢琴协奏曲而叫交响乐，道理就在这里。再如西班牙作曲家法雅的“交响印象”《西班牙花园之夜》也有钢琴的声部，其重要性也不亚于丹地那首，但法雅也不叫它钢琴协奏曲，其原因也一样。 
在打击乐器中，小鼓、大鼓、钹都是常用的品种。小鼓的音色清脆而干涩，大鼓则深沉有力，奏起来很有声势，钹的声音泼辣而有很强的穿透力，在布里顿的《管弦乐队指南－－为青年而作的普赛尔主题变奏与赋格曲》里面的一个片段由定音鼓、三角铁、铃鼓、小鼓、钹和大鼓合奏(总谱第13、14页)，就是很好的例子，可以十分清楚地听到它们的声音。在上述布里顿的乐曲里还有一段音乐，它逐一介绍定音鼓、大鼓、钹、铃鼓、三角铁、小鼓、木琴、响板、锣，还有很奇特的鞭子，每一两种乐器出现时，可能占的时间很短，但分开来介绍，自然比上述那段音乐更要清楚。 
一个管弦乐队的主力是弦乐器组，由小提琴、中提琴、大提琴、低音大提琴四种同族而又各不相同的乐器组成。小提琴通常分为两个声部，即第一小提琴和第二小提琴，有些乐曲更把它们再细分为两个到三个声部，中提琴和大提琴也有细分为两个声部的，但比较少见。弦乐组的演奏大致上有拉奏和拨奏两种主要方式，当然在某些乐曲中更应用双弦、三音和弦、四音和弦短暂的演奏，更有“近马”和“弓背”的奏法和加弱音器的奏法等名堂，但亦不会超出拉奏和拨奏的范围之外。

欣赏音乐也像阅读一部伟大的文学著作一样，听一次是不够的，次数听得越多，你就会发现其中有些内容是你以前未有顾及没有体会到的。就拿指挥来说，他未站上指挥台之前，应该对一部作品的各种细节了如指掌，但每次指挥时也许会发现自己以前的处理方法仍有改进的地方，所以在他的不同版本里也许会发现和以前不同之处，早年的录音和晚年的录音就不尽相同。如果你有兴趣的话，可以拿卡拉扬三个不同版本的《贝多芬交响乐全集》来比较一下，别的指挥家也有同样的情况，这样就够你去听的了。 
理性式音乐欣赏的可行办法是多看书，对人家已经写下来的心得经验可以凭自己的见解来吸收或参考，其次是多听，要用心地听，聚精会神地去听，要善于思考，深入地钻到乐曲里去。听完最好总结心得，比较其他乐曲和版本，最好能说出得出自己的体会和见解，这样就会毕其全功了。 

欣赏初阶－－舞曲与进行曲 

上几期讲到感性式的音乐欣赏、理性式的音乐欣赏和管弦乐队的概念，其中的“色彩美”是一个很重要的部分。因为一部交响音乐要动用整个管弦乐队的各种乐器，每组乐器都有各自不同的音色，每组乐器互相结合时都会产生新的音色变化。当你在欣赏一幅油画时，除了感受那幅画的思想内容、表现方式、情调、构图、线条、明暗对比、笔触的运用等方面之外，还会注意到画家在调制色彩时的工夫和他的用意。事情也真巧，在欣赏交响音乐时也和欣赏油画差不多，有很多共同的地方。交响音乐听多了，你就会自然而然地注意到乐队的色彩和乐曲的体裁和它的结构，这两种因素就是所谓理性式的音乐欣赏里的主要部分。 
我记得曾经有位电台听众写信来说：“我很想听听交响乐是个什么东西，但当我听了一两次之后，却感到有点茫无头绪。例如一会儿这种乐器奏着一个旋律，又有其他乐器在同时一起响着。有时候有两三个旋律先先后后或同时响着，分不清一个头绪，怎么办呢？”我写信回答他，办法是有的。最好的办法是采用循序渐进的方法，由浅入深，由简至繁，即在欣赏交响乐、协奏曲等大型乐曲之前，先找一些舞曲、进行曲和管弦乐小品来听听。因为这一类乐曲虽然也由管弦乐队来演奏，但在曲式结构方面、在乐队的织体方面都比较简单，容易听懂，再加上这些小型乐曲大都有动听的旋律，容易引起你的欣赏兴趣。 
上文提到那位写信来的电台听众，他碰到的问题是很有代表性的。一首管弦乐曲确是由好几个声部构成，它们同时演奏，就构成所谓“织体”，即是说一首交响音乐，像织布一样由好多条经线和纬线交织而成。乐队的织体大概分为三个部分：第一部分是旋律，它大多在高声部，但有时也会在中声部或者是低声部出现。它在乐队里的地位比较明显，音量也比较突出，你可以毫不费力地辨别出来。因为一个作曲家在创作乐曲时，总是有意识地在配器时突出这个主要声部，而在演奏和录音的时候，指挥和音响工程师也会在乐曲演奏过程里，有意地使主要声部突出或者较为突出，使听众容易辨认出来。第二个部分是低音部分，它是乐曲的基础，相当于一座建筑的基石，如果一首乐曲自始至终都没有低音部分，就会有轻飘飘不踏实的感觉，有了低音部分，一首乐曲才能稳固平衡。再就是第三个部分，中间声部，由一些乐器给主旋律和低音之间填充和声部分，听起来一首乐曲才觉得充实和有层次，而且有立体感和厚度感。在欣赏的过程里，最好能够习惯于同时听这三个部分，当然有时候也会同时或叠着出现两个旋律，但总有一个是主要的，一个次要的(支声部)，听多了，你就会很容易地把几个声部区分出来。 
有了上面所说的心理准备，就可以立刻接触简单的舞曲和进行曲了。可以说从古到今，从中到外，一直都有过很多很多的舞曲，因为从人类有文化开始就有舞蹈，跳舞一定要有音乐或者歌曲伴舞。如果有人说，我跳舞不用乐队，也不唱歌，只有鼓来伴舞，或者像西班牙人那样只用响板来伴舞，甚至我只用拍手掌打出一定的节奏伴舞，那也行呀！不错，你可以这样做，事实上也存在这样的伴舞方式，但你要知道，鼓和响板虽然没有乐音，拍手掌也没有乐音，但它们一律都有各种各样的节奏和节拍，这也是音乐的主要因素之一，归根结底，舞蹈仍然和音乐分不了家。有些学者考证，在人类的史前时期和原始社会里，舞蹈主要是宗教仪式的一种内容，有时也表现爱欲、催眠、治病的意图。后来舞蹈又成了娱乐的手段，或者是在战争获胜后表现欢乐，宣泄情绪的一种表现方式。自从有了国家，宫廷和民间都有性质不同的舞蹈。欧洲中世纪时期，由于宗教势力强盛，教会的决策阶层认为舞蹈是淫荡的，和教义相违背，在一段很长的时间里禁止人们跳舞。但舞蹈始终从来没有消失过，教会不让跳舞，人们就躲到深山密林或其他的地方偷偷地跳舞，因此，有些古代的舞蹈音乐也流传到今天，成为音乐史的文献。到了15世纪的欧洲，不管宫廷也好，民间也好，人们冲破了禁锢，舞蹈又盛行起来，而且大张旗鼓地跳，有些民间舞蹈开始进入宫廷，受到王侯贵族的欢迎，并且按照他们的欣赏趣味加以改造，还指定宫廷的乐师为他们创作跳舞用的各种舞曲，于是舞曲便越来越兴盛，越来越具有高度的艺术性。

圆舞曲的来源很久远，有些说法是：它的前身是德意志舞曲和德国的乡村舞曲，另一种说法是它起源于奥地利的连德勒舞曲，是一种速度较慢的三拍子舞曲，重拍子放在每小节的第一拍，即我们平时所说的“蓬－嚓－嚓”。早在18世纪的时候，已经在一些说德语国家的农村出现，贝多芬曾经根据作曲家兼出版商人狄阿贝利的圆舞曲主题写了一首篇幅很长、有33首变奏的变奏曲，而李斯特等作曲家亦有按这首圆舞曲主题而写的变奏曲，不过那些都是钢琴作品。德国作曲家韦伯也写过一首著名的钢琴作品《邀舞》，它虽然没有写上圆舞曲的标题，但实质上是一首有文字说明内容的标题音乐，因它太动听了，很多作曲家、指挥家都把它改编成管弦乐乐曲，其中有两种改编本最为流行，一种是柏辽兹改编配器的，另一种是菲利克斯•魏因加特纳的改编本。在某种意义上来说，韦伯的《邀舞》也是维也纳圆舞曲的先行者，因为它们都有共同的特点，即是先有一段引子或序奏，然后是四至五段小圆舞曲，再加上一段尾声，这是通用的结构。以韦伯的《邀舞》为例，前面的引子是男士们在舞会上向女士们鞠躬致敬，邀请她们一起跳舞，经过一番寒暄和谦让之后，跳舞开始了，他们尽情遣兴，陶醉在音乐和舞蹈之中。跳舞结束时(尾声)男士们彬彬有礼地握着女士们的手，送她们回到原来的座位上，整首乐曲也就结束了。 
上文提到圆舞曲的前身是奥地利的民间舞曲连德勒，贝多芬和舒伯特都写过这种舞曲，但现在已经较少机会听到他们所写的连德勒舞曲了，而把连德勒舞曲发展到现在的圆舞曲，主要有两位音乐家，一位是约瑟夫•兰纳，另一位是老约翰•斯特劳斯。兰纳一共写过两百多首圆舞曲，他的圆舞曲在风格上比较朴素，有很浓的泥土味，听得出它脱胎于连德勒舞曲。我在广东电台音乐台播出这一期的《老梁谈音乐》时，就以兰纳的《新维也纳乡村圆舞曲》为例，唱片上标明是兰纳的第一号作品。不过，我在查阅罗传开编著的《外国通俗名曲欣赏词典》时，发现书里也收入这首曲乐，不过标题却叫《新维也纳连德勒舞曲》，作品编号也是第一号。因为外国作曲家在编订作品号码时是不会重复的，因此我敢断定这两首不同叫法的乐曲，实在是同一首乐曲，由此可以说明连德勒舞曲和圆舞曲两者之间关系是多么密切了。 
曾经和兰纳合作过后来又闹翻了分手的老约翰•斯特劳斯也为圆舞曲的发展作出很大的贡献，他写过一百五十几首圆舞曲，不过他的成就却没有他的儿子小约翰•斯特劳斯那么灿烂辉煌，维也纳圆舞曲到了小约翰•斯特劳斯手里，才大大地发扬光大。维也纳圆舞曲的结构是有一个短小的引子，或者是一个长的序奏，所用的音乐素材大都采自后面圆舞曲的片断，或者加以变化，起到预示的作用。然后是四至五首小圆舞曲，每首小圆舞又由两段或者三段的材料构成，一首接着一首，中间有时用几个节作为过渡。最后是一个尾声部分，常常用前面出现的主要主题联缀而成，好像让你对前面的音乐再回味一下，起到首尾相应的作用。 
以小约翰•斯特劳斯的名曲《维也纳森林的故事圆舞曲》为例，这部保留了浓郁的奥地利乡村民间音乐特点的作品，有一个长大的序奏，其中有一段标明是连德勒舞曲速度，其实在音乐术语里，“速度”(Tempo)一词常常带有“风格”的含义，正如贝多芬的《第八交响乐》里，有个乐章标明“小步舞曲速度”，实际上它亦含有“小步舞曲风格”的意思。在小约翰•斯特劳斯的《维也纳森林的故事圆舞曲》序奏里那一段连德勒舞曲速度，也即是连德勒风格那段，正好说明了圆舞曲和连德勒舞曲密切的血缘关系。这里要请大家注意，在这一段里有一个声音很特别的乐器，又似大键琴又似扬琴，那是齐特琴，是欧洲一种古老的民族乐器，在奥地利十分流行。(注：在1999年的维也纳新年音乐会的现场实况录像中，就有这件乐器出现)。我在广东电台音乐台介绍到这首乐曲时，采用了插播的手法，把这首乐曲的每部分加以简短的提示，例如序奏的第一部分。……序奏的第二部分。……序奏的第三部分。……第一首圆舞曲。……第二首圆舞曲。……第三首圆舞曲。……尾声部分。这样一来，听众听起来就一清二楚了。不过在这里就不可能，我总不能把整首乐曲的乐谱登在这里，所以只能请读者们在听这首乐曲时注意地听，如果你能找到这首乐曲的管弦乐总谱或钢琴改编谱来对照着听，那就最好，不过这又要求你会看乐谱，不然也很难分清楚那一段是什么。


有点晕,这些都只能是看看,不太懂,呵呵~

呵呵~

请问有没有《为青年而作的浦赛尔主题变奏与赋格曲》的mp3下载呢？

都一样~~~~~~~~~~