25:
Adele才27岁，无论用什么标准去衡量，她都还很年轻。但是她的三专25很大一部分都在考虑时光的流逝：年轻优势逐渐消失，岁数不断增长，仿佛她很熟悉这种令人厌恶的感觉：在一天早晨醒来，惊讶地发现自己生命里的一半时间溜走了。对此她从来没有展现一个古板女人的担忧（她有这个权利，她的2专21令人惊叹的卖了3千万张），但是她也没有告诫或鼓舞她的听众去做的更好，更快，别再当个傻逼。她仿佛只是在说，你已经是个成年人了，别倒下去。
或者说“我们都知道我们不再是小孩子了”。这是她放在“send my love（to your new lover）”里的台词。这首歌是和Max Martin一起写的；这个44岁的瑞典超级制作人做了大概和lennon和McCartney一样多的冠单。把他的冠单放一起，所有的歌都有一个规律：它们都很刺痛人心，流动的很快，并且把细致的瑞典流行音乐（例如abba）和节奏导向的美国R&B音乐结合在一起。为了达到这个目的，Martin就像我曾经听到过的-——例如他帮泰勒丝（甩甩甩，空白格，丝带儿）和水果（我亲了女孩，春梦，咆哮）制作的单曲——那样严格要求；他依靠于令人难以捉摸的内在节奏，像个hiccuping诗人一样修剪音节，对旋律进行细小的解剖。他保持台词的尖锐和平衡。“Send-my-love／To-your-new／luh-uh-ver”（send my love to your new lover）最终结果就像遇到一个拥有完美对称特征的人一样——一开始很有吸引力，并且存在着深层次的不安。这首歌以拨弦吉他开头，进入副歌的时候就像有人在黑暗的房间拉开了窗帘。
在歌词方面，adele依靠于一种熟悉的愤怒；她认为这个这个爱人打破了所有他对她的承诺。这是单方面的爱恋，但是后来这个爱变了味；如果你足够不幸成了这个交易的接收端——不情愿的眼睁睁看着献身于爱情的态度充满神秘魔力地变馊了——完全的理解是不可能的，这是傻子的差事。这就是adele在唱的，她什么都做不了只能放弃：“我放弃你了，我会原谅一切”。心生怨恨是年轻女人的游戏。
几乎所有25中的歌都表达着心痛，从一种形式到另一种。“send my love”是一种异常的信任；更常见的是adele心痛的明白她自己的疏忽和丧友之痛，时间让它们变的难以遗忘。有些时候，adele自己就是悲痛的代言人，像在“hello”里她尝试通过电话去接触她的前任。在某种程度上adele知道她很急切的想要传递某个信息——“对不起／伤了你的心”，但是这种感情不是那个想让她竖起中指的情愫（而是巨大的被遗弃的愤怒）她可以说拼命的想回到过去的自己，去纠正一些事，平息一些痛苦。
其他时间里她是流失的受害者。在和Tobias Jesso Jr . 一起写的钢琴抒情曲“when wewere young”里，她唱到“让我现在给你照张相／以防这是最后一次／我们完全是我们过去的那样／在我们意识到之前”乐声如同涨潮，之后平息。“意识”的本质是什么并没有明说（楼主插嘴，这里的意识指的是“意识到我们不再是我们过去的那样”这个意思吧～～），但是当然这并不是必须去说明白的（就像joan didion在1967年写的那样“观察一件事的起源很简单，但是很难去看到它的结局”）这首歌本身是对于1970年制作抒情歌曲的歌手的致敬，在那个年代它们十分兴盛，并且主导了am电台（例如barbra Streisand，shirley bassey）。Adele的现场表演也是令人惊叹，充满了精力，十分优美。
然而，所有这些影响都和放在厚毛毯铺着的宴会大厅自助餐桌上结着厚厚一层霜的蛋糕一样甜蜜，大厅里还不停循环wwwy。即使是你最讨人喜爱的姑妈——喜欢洋基蜡烛那位——也会在喝完她高脚杯中闪亮的红酒以后，身体微微向前倾，然后说道“这shit好平淡哦”。
作为一个整体，确实很令人吃惊的是这么多的歌——我其实可以说是全部——都表达了浪漫爱情的小缺陷。Adele的歌词并没有太多的陈词滥调（尽管它们经常是这样），但这张专辑的流行因素让人厌倦。在John seabrook的书“the song machine”里，他采访了Bonnie McKee，一个31岁的作曲家，同时也是katy perry最大的hit制作者，Martin的频繁合作者；对于关于为何当代流行音乐歌词如此一致的问题，McKee提供了一个不假思索，并且略带歉意的回答“大多数人仍然只想听到爱和party”她耸了耸肩“这并不是关于我，这是关于听众。听众是那些想要这些歌词的人”这是她的回答。
也许这就是人们想要的：adele目前马上就要打破超级男孩在2000年的最高首周2百24万的销售记录了（在周五，超过90万人只在itunes上下载了25）也许这些歌都是关于一些鸡毛蒜皮的小事，或者一些必然发生的结局；它们没有深入挖掘，而是只考虑了结果：一个平静的点头示意，一个苦涩的微笑。这是单向的死胡同，是去往失意和痛悔源泉的感情捷径。但是不管人们对于流行音乐的心灵用途是否认同，adele最为一个歌手的天性是不可比拟的：她毫无疑问是她这一代最伟大的歌手，一个对于音质音准有本能理解的歌手。这看起来并不是不公平去要求adele的歌里更充满一些活力。

Alicia keys
专辑：
Girl on fire 7.1
Here 6.5
单曲年榜：
2004 you don’t know my name/will you everknow it? 23
2009 empire state of mind 44
2010 un-thinkable 64
2016 in common 87
girl on fire 7.1
AliciaKeys' fifth studio album opens the same way each one of herprevious albums does: with a short, pensive piano piece. The quiet "DeNovo Adagio" is meant to set the stage for the drama to come, but ithandily accomplishes two other things as well. First, it reminds listeners thatKeys is a classically trained musician, that she graduated from ProfessionalPerforming Arts School and studied at Columbia University. Her studies nolonger determine her sound the way they once did, but a moment like thisreminds you she's a serious artist.
Second: "De NovoAdagio", which translates loosely to "Adagio Again", signalsthat Girlon Fireis an album about rebirth and renewal. That girl on fire is a phoenix, and todemonstrate that point, "Adagio" segues seamlessly into "BrandNew Me", a slow-burning declaration of independence co-written withScottish singer-songwriter Emeli Sandé. Keys excels at this kind of self-esteemanthem, but this one feels a little too familiar-- an old way of introducingher new self. That song is followed by the Jamiexx-produced"When It's All Over", and it's perhaps a sign that I'm listening totoo much Taylor Swift that I naturally wondered what had happened in Keys'personal life to warrant a record so heavy on break-up songs. Then I rememberedthat it doesn't matter: Keys has retooled and reinvented herself, howeversubtly and slightly, on every album, so it makes sense that she would useromantic tragedy as the engine for transformation.
Four albums aboutrebirth, however, can become a bit predictable, if not an outright drag.Neither "Brand New Me" nor "When It's Over" does much thatKeys hasn't done in the past, but then she drops "New Day", a heavybanger that actually feels brand new. With her sharp eh-eh-eh-ehs and slightlyaccented delivery, she sounds like she's channeling Rihanna without theregrettable drama that has sadly infected the "Umbrella" singer'smost recent efforts. In a way this is exactly the kind of song we wish Rihannawere singing: something strong and forceful and self-assertive, something thatwrites the happy ending we want for our pop stars. Keys throws herself into thesong; her voice quavering during the rawer moments, as though the notes arewell within her range but the emotions are not.
A collaboration with Swizz Beatz (Keys' husband) and Dr. Dre, "New Day"has a transformative effect within the album, whose middle is as strong as anysequence of songs Keys has recorded. After a rough start lyrically ("She'sjust a girl and she's on fire"), the title track features Keys' mostpowerful vocals and a too-brief cameo from NickiMinaj, who sounds like she's just getting started before herverse comes to an end. "Fire We Make", her duet with Maxwell, is an old-fashionedslow jam that doesn't have a whole lot of actual song to it and honestlydoesn't need it. Instead, it's an excuse for vocal and sexual fireworks fromtwo of r&b's strongest singers, with Keys' bold voice evocativelycontrasting Maxwell's softer, slightly hoarse delivery.
Keys has always chosenher collaborators well, and even when she's working with the ultimate alphamales (KanyeWest on The Diary of Alicia Keys, John Mayer on As I Am), she never letsanyone elbow her out of the spotlight. Still, the announcement that she wasdoing a song with Bruno Mars and the Smeezingtons, the team responsible for Cee Lo Green's "Fuck You" and Mars' own "Grenade", was enough to archsome eyebrows. They're pop throwbacks, but they throw back to a completelydifferent pop era than Keys evokes, and does anyone want to see this woman, whoseems to draw inspiration from Aretha and Pam Grier equally, show up at the sockhop?Surprisingly, "Tears Always Win" manages to split the differencebetween Keys and Mars, and the retro flourishes-- the shuffling drumbeat, thedoo wop backing vocals-- reinforce rather than distract from the pain in Keys'vocals and lyrics. With its bedroom setting and emotional insomnia, the songcomes across like a sequel to "Try Sleeping with a Broken Heart", holding its ownagainst one of Key's finest moments.
Afterthat comes "Not Even the King", which features just Keys and herpiano. It's a respectable ballad, albeit a bit too devoted to its own metaphor,and it's refreshing to hear her in such a spare setting. But it also brings thealbum back down to earth, stalling the momentum she'd established. Followingthe rhythmically and grammatically awkwardly "Limitedless", a pair offine ballads, "One Thing" and "101", sound good on theirown but dour as back-to-back closers. The latter culminates in a loud codathat's among the heaviest passages Keys has recorded, full of shoutedhallelujahs and some startlingly violent beats. It's a risky move, about as farfrom the pensive notes of "De Novo Adagio" as Keys could get, but shedoesn’t pull it off. Far too bombastic to be especially cathartic,"101" makes for a gently unsatisfying conclusion to an otherwiseassured album. It never quite lives up to its theme of rebirth, but especiallygiven the range and power she's showed in the past, it doesn't really need to.

girl on fire：
枪姐的第五张专辑用和之前所有专辑一样的方式开头：都是一段简短的，沉郁的钢琴片段。“de novo adagio”中的宁静是为了给后续的drama布置舞台，但是于此同时枪姐很轻松的就做到了两件其他事。第一，这提醒了听众枪姐是个经过古典音乐训练的音乐家，她在专业的音乐学院毕业，曾经在哥伦比亚大学上学。尽管她的学习已经不再像过去那样影响左右了她的声音，但是这个时刻还是提醒了你她是个正经的音乐家。
第二，“de novoadagio”，宽松一点翻译过来就是“adagio again”表明girl on Fire是一张关重生与复兴的专辑。这个在火中的女孩就是凤凰，为了说明这一点，“adagio”浑然无缝地衔接到了“brand new me”里，这段缓慢燃烧的独立宣言，是和苏格兰作曲家兼歌手emeli sande共同谱写的。枪姐尤其擅长这种关于自尊的颂歌，然而这一首感觉有点过于熟悉了——这是她老式的介绍新自我的方式。这首歌之后是Jamie XX制作的“when it’s all over”，也许这是我听taylor swift太多的一个迹象，很自然地想知道在枪姐身上发生了什么以至于让她用分手歌把这张专辑显的如此沉重。之后我忽然意识到这不再重要了，因为她正在重新组织自己，重新塑造形象——尽管这是多么难以察觉和微妙，而且她在每一张专辑里都这么做——所以这就能说的通枪姐为什么要用浪漫悲剧作为转型的引擎了。
然而这4张关于重生的专辑，也使得这专有了一些预见性，前提是如果这不是一张坦率的乏味专。“brand new me”和“when it’s over”并没有做什么枪姐之前没做过的事情，但是之后她放出了“new day”，一个确实让人觉得很新颖的发着巨响的老爷车。伴随着她尖锐的“诶诶诶诶”还有轻微突出的演唱方式，她听起来就像把自己导向日婆，然而却没有发生令人遗憾的drama：影响日婆最近的努力。枪姐准确地使用我们希望日婆用的唱歌的方式：强大，有气势，极有主见，还有关于我们所希望的流行歌手最终能拥有的快乐结局。枪姐把她放进了这种歌里，她的声音在一些地方会颤抖，显得很原始，尽管在她控制范围内的这些音节很棒，但是没有一点感情。
在和Swizz Beatz与Dr.dre的合作里，“new day”是这张专辑做出的一个转变的努力。这专的中间部分和所有枪姐录过的歌一样很坚实。在一段很粗糙的歌词以后（“她只是个女孩，她在火里”），同名单曲同时使用了枪姐最强有力的嗓音和过于简短的麻辣鸡客串演出；听起来麻辣鸡的部分才刚开始就结束了。之后是“fire we make”，这首她和maxwell的二重唱就像一首老式慢歌，尽管实际上过去历史里并没有多少歌属于这种风格，说真的也不需要。相反，用枪姐轮廓分明的声音来唤起并衬托maxwell更柔和，纤细的嘶鸣演唱风格来表达声音和性感的烟花只是一个来自两个强有力的r&b歌手的托词。
枪姐总是很正确的选择她的合作人，但是就算是和终极牛逼的男歌手合作（在The diary of alicia keys里合作的侃爷，在as I am里合作的john mayer）她从来没让任何人把她推出聚光灯。所以，她放出的与火星，smeezingtons（火星的一个制作人），还有写了cee logreen的“fuck you”和火星自己的“grenade”的整个团队合作的消息足够让人惊讶。这群人是复古流行音乐人，但是它们回到的是一个枪姐从没唤起的过去的流行领域；有人想看到这个女人同时从aretha和pam grier身上吸取灵感吗？“tears always win”成功的把火星和枪姐区别开来，这个复古的部分——摇曳的鼓点，doo wop式的伴奏人声——在枪姐的歌声与歌词中加强了痛苦感，而不是让人从痛苦中转移出来。在这首歌卧室设定和情感失眠的环境里，“tears always win”像是“try sleeping witha broken heart”的续集一样，在枪姐最美好的时刻坚持自己的痛苦。
之后是“not eventhe king”，特点是只有枪姐和她的钢琴。这是一首值得尊敬的抒情歌，尽管有点过于投入它自己的隐喻里，在这个简单的背景音乐里听到她也让人精神一震。但这一首歌也让这张专辑重新回到了地面，遏制了她建立的前进的势头。然后是无论节奏还是语言都很笨拙的“limitedless”，一对情歌“one thing”和“101”，分开来听都很不错但是放一起就让人觉得很死气沉沉。“101”在一片喧哗的结尾中把这张专辑推向高潮，同时也是枪姐录制的最沉重的部分，充满了高呼的“哈利路亚”和令人惊讶的鼓点。尽可能的远离在“de novo adagio”中的沉思部分是一个很冒险的行为，但是她并没有成功。太过于华丽而难以具体的表达感情，“101”给这张并不自信的专辑做了一个让人略不满意的结局。这张专辑并没有做到它重生的主旨，但是也没必要去展现她过去的领域和力量。

here：
枪姐是一个用“习惯”做音乐的人。在她十分成功的专辑“songs in a minor”里，她用“piano and i”开头，这之后她就开始有一个传统：用一段很清晰很明显的intro开头。尽管形式会发生变化——纯古典作曲，钢琴背景口头言语，一段短诗——这些intro通常会有两个目的：提醒我们她的钢琴技巧，阐述她在录制这张专辑时的心理状态。如果你对一个人的习惯了解的够深，关于他的形象就会在脑海中出现。然而here，枪姐的第六张专辑，几乎没有让我们更深入了解枪姐一点点。
“thebeginning（interlude）”，这首here的开场曲，为这张构成了一系列不断延伸隐喻的专辑作出了准备。所以当枪姐说到“我是都市神话的音乐剧／我是唱片标识上的文字／我是唱片旋转时的微风／我是音乐开始前就耀眼的存在”你并不需要对此太过较真。其实通过这种拟人化的hip-hop，她展现了第一个在叙事视角上的转变。
这帮助我们提早意识到枪姐的视角转变，所以当枪姐以一个29岁的瘾君子的视角唱到“illusion of bliss”或者“kill your mama”的时候这并不十分令人困惑。在“kill your mama”这首歌里，她担当了地球母亲那些难以控制的孩子的发言人，给这简单的吉他旋律里填充陈词滥调：“有什么能拯救我们／我们变的如此危险／我们能有什么改变／就算是为了爱”
这仍然是一张枪姐式的专辑，但是这并不是说不期望她能投入她的时间在她自己身上。这张专辑里只有三首歌能让你稳妥的猜测她对于自己世界的看法。“work on it”是对于隐藏于表面之下的人际关系的关注，尽管一点也不吸引人；这首歌是和淡定的菲董一起合作的。（“Work on It” is a lookjust beneath the surface at a relationship that takes, well, work— but theintrigue is lacking, even with production from the usually unflappable Pharrell Williams.）“girl cant be herself”这种颂歌很明显是她免费组成专辑的部分，她仿佛认为这是一种，用来解决作词过程中产生的不安全感的工具。“blended family（what you do for love）”讲了她家庭内部的动力，最真诚但是让人觉得有那么点尴尬，而且之后完全被仿佛随意写下的asap rocky的部分给摧毁了。
Here专辑里不时的穿插着枪姐和她朋友，据报道包括nas，的直白的谈话。不公平的是这些简短的谈话比起这些歌曲更加引起听众对于歌手的兴趣，而且其他的单曲似乎很少在保持这种平衡—至少在歌词的角度上讲是这样的。
值得称赞的是，她展示了令人惊讶的灵巧，在她的情歌和快速的节奏中游走，在她的演唱和偶然呈现的rapper的律动中变化，“the gospel”就是个例子。她可能并不想重新标榜自己作为一个rapper，但是这些钢琴的旋律和突突的鼓点配合的形式确实很好。这些鼓点的编排来自harold lilly，歌曲创作和制作的重任大部分则落到mark batson和swizz beatz身上，尽管swizz beatz并没有在专辑里留下他充满特色的声音。这四个人和枪姐组成了一个叫the illuminaries的制作小团队，他们在很多场合证明了这种团队协作运用鼓点的方式如何能获得成功。
Here专辑中的旋律展示了如今与她之前音乐中做出的努力的分离，并且表明了她想要在她声乐方面做出改变的意愿。但是这专的歌词，这种很少背离人生经历的元素，在很大程度上抵消了这些不错的努力。尽管这在流媒体时代这并不意味着什么，但是把最激动人心的首单（“in common”）降级到豪华专附加曲的决定确实特别让人困惑，而且这张专辑的其他部分也并没有跟随这首歌的迹象。枪姐十分努力的建立起了她的知名度，她在音乐领域的这几年也获得了许多成功，她已经有权利把创作中的谨慎小心抛弃了。然而让人难以接受的是这张专辑却错失了这个机会。

a妹和酵母的名字··················
ariana grande
avril lavigne
还有名字出错我也不管了
好啦还有错和我讲下··

yours truly :
小牛是一个从少年演员转型的歌手，一个彻头彻尾的泡泡糖青年——但她现在已经完全转变了她的口味。她的出道首单，2011年采样了4 non blondes“what’s up”的单曲“put your hearts up”，是一首很普通的迪士尼电台歌曲，小牛后来也公开的否认了这首歌。现在看起来她已经完全控制了自己的事业：歌曲涉猎复古，用hollywood strings弦乐和doo-wop声制作出的50年代式单曲“honeymoon avenue”中很明显的展示了这种特色；同时这首歌也是她首专的第一首歌。但是我们为什么要关心这种事？因为她吟唱的声音一出现在事先录好的背景音乐的时候，就立刻吸引了注意力；她的嗓子带着烟腔，有些厌世，又十分轻盈，给人的第一反应就是你怎么做到用玛丽亚凯牛的方式唱歌呢。
这并不是一个小的申明，小牛也不仅仅是小天赋。她相当有自知之明，在这张制作过程中存在许多问题的专辑里，小牛再一次转变了她的作曲风格，选择了90年代嘻哈灵魂音乐的氛围，同时把它和更加doo-wop式的曲风笨拙的融合在了一起。专辑中的第二首单曲“baby i”对于小牛事业目前的定位更具有代表性。这是已熟知的音乐的融合混杂，从布兰妮式的“yeah-yeah-yeah”，到令人吃惊的hip-hop旋律里精炼的号角片段。这是不同世代音乐影响力的混合，这就是小牛的魅力；她无限的精力意味着没有人能像她那样通过声音吸引注意力，对她来说这仿佛这还不算什么。
她四个八度音节的音域令人觉得滑稽的强大，尽管听起来她还有很多没被开发的潜能，作为一个20岁的妹子来说她还是有让人钦佩的控制力。小牛的歌都比较简单，但每一次她唱到重复分句，她都会用一种不同的方式演唱；她循环中的花腔和运动的尺度即使在最严肃呆板的歌词部分也仿佛在吞吐着生命的气息。就算是最陈腐的歌，例如仿佛像油腻奶酪的“daydreamin”，也被她的声音上升到了另一个高度；当她听起来十分相信歌词所说的东西的时候，结果就是激情四溢的。这张专辑的重点“piano”——一首听起来一定能成为电台热单，和水果简直一脉相承但是更加精简的歌——从小牛最热情的声音中收益，当她尖声唱到“如果我能得到一架钢琴我会很开心！”，这首歌就从一首迷人的比喻作品变成了一个关乎生死的问题。尽管这首歌听起来十分老套，即使她的目标领域仍然不十分清晰，但是有多少个20岁的pop明星会唱到随着钢琴跳舞？
歌曲创作是这张专辑最大的瑕疵。无论是小牛自己的经验不足还是单纯唱片公司的干预而打磨了棱角，yours truly是一张十分安稳的专辑。这张专辑主要是由两个r&b领域最自作多情的制作人，babyface和harmony samuels共同创做的；由一些过去已有的音乐元素和传统构成，歌词也很专业的把这张专辑变成了个错误。其实需要说的只是从歌词里我们完全不能看出小牛的真实个性。柔情渗入了这些作品里：几首单曲中的lex luger式的踩钹和逐渐减缓的南部rap式vocal令人惊讶的失去了力量，仿佛这是来自kidz bop专辑中的样品（楼主插嘴：kidz bop是让儿童唱当代流行音乐然后做成专辑）。这仿佛是消毒过后的白色表面，但这些工作也许也帮助了小牛，因为这样就没有什么能让让听众从她的声音中转移注意力了。
“我想说我们会一直在一起／仿佛在1954年”这是小牛在yours truly中最热情的小调“tattooed heart”中所唱到的，让人十分想给她一个相当吸引格莱美的标签：“老式灵歌”，但是这仿佛有些过于狭隘了——她拥有相当大的天赋，她尊重她的前辈，同时也对她们的技巧十分了解。如果说小牛首专有一个特点，那就是它轻松而又成功地略微涉及了几乎所有的复古流派，但是这不是单纯的模仿，也不是2013年典型的pop专辑。专辑的末尾还是向电子流行音乐做出了让步，在这首令人愉悦的强节奏舞曲“better left unsaid”里，小牛坚持着要“说些什么”她不应该说的。这种反抗有些低调，但是也应受鼓舞的——如果她直白的承认这些承诺，那就没有什么能阻止这个声音接管这个世界了。

my everything:
来自nickelodeon频道童星转形pop的歌手小牛在去年发布的首专yours truly有着许多迷人的特质，尽管其中一些特点很难以维持。那张专辑有着一些幼稚的古怪行径——大概在歌手的职业生涯也只能发生一次——它在天真无邪版doo-wop风格和90年代pop-r&b之前做出了区分（后者刻意导致了后来发生的与玛丽亚凯牛之间的对比）。小牛证明了她成功做到了多种曲风的杂糅：在内心深处她是个文艺青年，用熟练的技巧在不同的歌曲特征之间来回切换。（她在油管上有很多令人惊叹的视屏，从模仿布兰妮到哭泣的小绵羊）。在某种程度上这是很冒险的——如果这些复古的事物不是完全不流行的话，这就不是复古而是落伍了。
但是这是一个处心积虑的冒险，公然把小牛定位成一个健康女孩的形象，好女孩麦粒的限制级代替版。尽管她经过了很明显的训练——对于她的声音你还能说什么？——但是yours truly是处于尖锐的青春期，在刚开始的专辑美术上却怪异地想把它往幼儿化方向发展（楼主插嘴：毕竟日本公主，，，而且说真的，，，，，，，，，，很好看啊，，附带原本专辑封面，，话说这是我看a妹没说这是专辑封面但是新闻里说是the cover of her hotly-anticipated debut album）

她ins上经过过滤的怀旧情绪，尽管很讨人喜欢，但是经常表现的很冷漠。小牛的声音是她的名片，同时也作为它的武器和护盾；这张专辑的情感中心被小年轻的爱情歌曲所环绕，但是它所传递的永恒的爱不是面向男孩，而是面对钢琴。恰当的说来，小牛的歌曲的感情来源于她急切得像个艺术家那样在唱歌，比起她所歌唱的东西，很明显她更乐意用自己的声音表达。
在myeverything里，小牛抛弃了迪士尼公主梦版情歌，直接开始制作快节奏的歌曲；尽管这可能和yours truly看起来很不连贯，但是这还是很充满精力的成长。My everything的前两单是max martin制作，这显然不是巧合。Max martin几乎定义了千禧年pop音乐的成长过程，14年前他给转型的布兰妮写了“Oops!...I did it again”和“stronger”。然后这也许又是今年里最强的单曲连击了：“problem”，有着奇怪而又诱人的正反对比设定（小牛极其成功的前副歌让我们为迎接更加巨大的能量释放做好准备，然而听到的只是旋律调皮的沉入了big sean的低语中，暗示着小牛对于这首歌中邪恶男朋友的还未满足的期待），还有zedd制作的歌曲“break free”，一首相当夸张的分手歌，同时也像是电子音乐时代的“stronger”一样。小牛对于避开舞曲领域仿佛是事先计划好的一样，而不是现金预算不足：“break free”如闭幕式般的气概和小牛体育场尺寸的嗓音完美的结合在了一起，同时小牛也给电子舞曲中典型的男子气概注入了足够多的女性温柔气质。
与在yours truly中小牛刻意的远离流行趋势相比，my everything展现了对于“cool”的更深刻的理解，尽管有些时候她偶然错过了这个特点。在这张专辑里，小牛很欢乐地活在她自己的时代里，而不是再一次模糊的示意着关于“复古”这种二手创意。即使是铃铃响着犹如苏打喷泉般的像首专里的声音重新流淌在这张专辑里，比如cashmere cat制作的“be my baby”，最终结果也是像terius nash的风格而不是像pinterest网站公告牌般混杂。这种特点代表了更加成熟的选择，同时也诱导出了一些令人惊讶的并不是和一般平淡无奇歌手合作的作品：“love me harder”像是一个巨大而又不断律动着的房间，盆栽在黑暗中前行最后走到阳光下；asap ferg在向擦妈示意的性感的合作曲“hands on me”里也献上了可以说是他最好的feat。
十分恰当的是这两首最性感的歌是整张专辑里最棒的歌之一；yours truly里眨着眼的单纯如果再继续下去就要进入自命不凡的范畴了。这不仅仅是对于性的肯定，一般说来小牛的坦率是如此充满精力的原因。过去她羞涩的躲开爱慕之人的注视，现在她可以死死地盯着他的眼睛说这直击主题的性暗示，比如“也许这是小东西，但我喜欢它那么长”（hands on me）。在最近的纽约时报的报道中，小牛说她渴望摆脱她之前的清纯形象，“也许有一天我会不再淘气了”。这仅仅是一个开始。
得益于变化无常的戏剧根基，小牛比起同行水果总是能成功的与rap的进行交替，但是尽管有很多成功的feat，她对于rap的品味还是个悲剧。My everything中最糟糕的部分——两个装腔作势的片段，分别来自毫无审美可言的big sean和childish Gambino。前者在“best mistake”中持续不断地扔出垃圾，用极其可笑滑稽的言语不断嘲笑这首歌严肃的口吻比如“我们怎么能保持这种新鲜的感觉／我们该怎么用塑料袋保存它？”后者则在说“他在撒谎。。。和一个男人！”的故事，像拿着自己的脸摩擦着自己的大便，说着无可争议的妙语“对，我是一个G，来自A，他们问Y？”（楼主插嘴，childish Gambino是一个gangster（黑帮分子），来自atlanta，他们问why，但同时也是呼应主题，作为歌词中的男性视角告诉小牛她的前任是个gay），尽管这些信息并不是很愚蠢直白的伤人，“ I’m coming out”的采样旋律在小牛的声音下也不断转移着注意力。对于歌手来说这确实是一个怪异的选择，当她歌曲中偶然难以理解的歌词已经成为她的一个标志。（楼主插嘴：这里有个链接http://gawker.com/ariana-grande-girl-what-are-you-even-talking-about-1626555476盘点了小牛那些歌中难以理解的歌词部分，，，）
尽管有些失误，myeverything大致上已是小牛到达真正pop领域的作品，而不单单是令人称赞的新奇专辑。过去小牛作为演员一度尽职地展现着眨着大眼睛，小口喝着麦芽酒的浪漫爱情，现在她已经逐渐但是充满自信地转向了自己；虽然她的个性比起她的唱歌技巧略显不足，但这是一个越过戏剧的开始。结果就是，现在被称为“小牛”（原文就是mini-mariah）能够在2014年坚持做她自己；尽管她最好的歌也许不是那种永恒的经典，但是对于现在这个时刻它们确实是好歌。

Dangerous woman：
“You need a bad girl toblow your mind,” Ariana Grande taunted us in 2014 on“Bang Bang,” her smash-hitcollaboration with JessieJ andNickiMinaj. In that crowd, Grande didn't really seem likethe bad girl; maybe she knew one she could fix you up with? As shetold Complex the yearbefore,“I don’t see myself as sexy and I’m not comfortable being sexy anddressing sexy. I don’t see myself ever becoming a sex symbol.” But sheseems to have taken the “Bang Bang” lyric as a mood-board inspiration forher third album Dangerous Woman, which finds the22-year-old trading in the mini-skirts, go-go boots, and cat ears for a SashaFierce-like alter ego. As a result, Grande spends most of Dangerous Woman coyly flirting withdesire, “bad decisions,” and independence. “Something about you makes me feellike a dangerous woman,” she sings on the chorus to the slow-burning titletrack, which is a few qualifications away from actual danger.There's something about the whole album that feels a bit like Sandy in herskintight leather outfit at the end of Grease, only in Ari’s case,it’s a latex bunny mask.
At this point, there’sno question that Grande is a powerhouse vocalist, having earned hercomparisons to CelineDion,Mariah Carey, and Christina Aguilera circa Back to Basics. (Among her spot-onimpersonations of thosesingers, Grande does an absolutely insaneAguilera impression, solidifying her spotas the diva’s millennial incarnation.) Grande’s four-octave range, impeccablecontrol, and penchant for belting assures that no matter the lyrics orproduction, her music will always be strong in that regard. And as in herprevious album My Everything, which was chock-fullof bangers like the Zedd-produced “Break Free,” the productionon her new DangerousWomanis enormous, full of flirty pop eruptions and slinky dancefloorseductions. "Into You," produced and co-written by Max Martin andAlexander Kronlund, who helped pen some of Robyn’s best songs, might beGrande's best single since “Love Me Harder.”
So then where does Dangerous Woman struggle? In a ratherforthcoming interview with Billboard, Grande described thealbum as “a 22-year-old girl comes into her own trying to balance growing up,love, and a lot of other bullshit along the way.” However, the listener comesaway from DangerousWomanfeeling like they still don’t know much about the ponytailed lady peeping outfrom behind the mask. Grande has never touted herself as a Swiftian friend to allfans, but her slight reserve means that Dangerous Woman, paradoxically, feelssafe, which acts in contradiction to the at least 19 times she sings avariation of “danger” or “dangerous” on the record.
Dangerous Woman opens with “Moonlight,”which was originally the title of the record and thusly should perhaps beviewed as a prologue. “Moonlight” offers the album’s closest thing to a ballad,all celestial romance and melismas. But its serenity is quickly steamrolledover by “Dangerous Woman,” the real introduction to the record. “DangerousWoman” is a slinky, empowered, Bond theme of a belter; you can practicallypicture her sauntering down a grand staircase in a floor-length gown and fur onthe way to seduce and destroy a lover. After the quake of “Dangerous Woman,” “Be Alright” and “Into You” areappropriately both cool, snappy little thumpers.
In the middle of this15-track record, Dangerous Woman’s guest features feelunderused and lackluster. Nicki Minaj’s verse on “Side to Side” is a far cryfrom the duo’s Pinkprint collaboration“Get on Your Knees” which found both women returning to the personalities of“Bang Bang,” Ariana as a doe-eyed vixen, Nicki as the tough-as-nailsQueen. That chemistry is absent here and instead Minaj’s bored, reggae-tingedverse compliments neither women. Although Minaj once again relies on the sexualwordplay her last name provides, the verse feels rather PG. Lil Wayne’s appearance on “LetMe Love You” was one of Dangerous Woman’s more surprisingfeatures, yet perhaps predictably, Weezy seems sleepy. He manages to throw outthe cringe-worthy line “She grinding on this Grande, oh lord,” and not even theobligatory “moolah baby!” saves him from sounding half-hearted.
Perhaps the mostunsatisfying collaborator is Future. A majority of his contribution is repeatingthe song’s title, “Everyday,” making him Dangerous Woman’s more minimalistversion of Big Sean on “Problem.” If Future’s sexual-devotion-filled verse wastaken away, it would be immediately obvious that “Everyday” is constructed atopa pile of hot fluff. The only exception to this is Macy Gray’s “Leave MeLonely,” which sets Gray’s raspy pipes against Grande’s flawless vocals, addinga welcome change of consistency. Smack in the middle of all these features is“Greedy,” a romp that announces that Grande truly shines when she is givencenter stage.
The second half of therecord lacks the energy of the first. She continues to sing of growth andmaturity from a former self (“I used to let some people tell me how to live andwhat to be but if I can’t be me then fucks the point?”) with the point beingthat she is now free in thought and action. As Minaj says on “Side to Side,”“young Ariana run pop.” This is indeed evident on Dangerous Woman, even if the resultsare uneven at times. Grande does not need to force any sort of spirit, sheis full of it already. She just needs to find the Dangerous Woman withinherself and let her breakfree.

Avril Lavigne
排名啊乐评啊什么都没有·····

Dangerous woman 7.6 ：
“你需要一个坏女孩来让你心醉神迷”小牛在2014年她和结石，麻辣鸡相当成功的合作单曲“bang bang”中这样挑逗到。在这三个人里，小牛看起来并不是那个坏女孩；也许她只是知道某个人可以满足你？就如同今年她对complex杂志说的那样：“我并不觉得我是那种很性感的女人，其实我对于性感或者说穿的性感这种事还是蛮不舒服的。我也从不把自己看作是那种性感女人的代表。”但是她似乎把“bang bang”中的歌词看作调色盘上的灵感来源，给她的三专“dangerous woman”提供了灵感。在这张专辑里，这个22岁的女歌手用超短裙，长统靴，猫耳套来表现她内心的另一面。最后的结果就是在dangerous woman里小牛用欲望，“bad decisions”，还有独立来表现一种娇羞的调情。“你把我变成了一个危险的女人”这是她在慢热的同名单曲副歌部分唱到的，这首歌（所表达的性感）距离真正的“危险”还是有一定距离的。整张专辑的某些部分给人的体验就像是在电影grease的末尾sandy穿上皮革紧身衣的感觉一样，只不过小牛穿的不是紧身衣而是一个硅胶兔子面罩。（楼主插嘴，电影grease里sandy一开始是那种超级无敌好女孩，烟都不会抽，向往那种罗曼蒂克的爱情，然而她爱的danny是那种坏男孩，一开始想要她性感一点。所以在电影的最后sandy为了挽救爱情就作了新发型，穿着皮革，抽着烟去见了danny。“sandy”本身也就可以用来形容超级无敌好女孩）
就当下来看，小牛无疑是一个充满精力的歌手，有人甚至把她和席帝，老牛，还有back to basics时期的擦妈进行对比（在小牛对这些歌手极其精准的模仿中，小牛对擦妈的模仿真可以说是疯狂的；她对这些千禧年歌手的代表的模仿真是惟妙惟肖）（楼主插嘴：附带小牛对擦妈还有懒泥，席帝模仿的视屏链接：https:// www. youtube.com /watch?v=ss9ygQqqL2Q）小牛4个八度的音域，对于声音完美无暇的控制力，还有对于belting唱法的偏爱，都保证了歌词和作品的质量；从这一方面看她的音乐都是十分强大的。与她之前充满快节奏歌曲（比如zedd制作的“break free”）的专辑“my everything”相比，dangerous woman的成果是巨大的；调情式pop爆发，同时还有令人印象深刻的性感的诱惑。“into you”，由max martin（又是他）和alexander kronlund共同谱写。后者帮robyn做了她最好的那几首歌，而“into you”也许也是小牛自从“love me harder”之后最好的歌了。（楼主插嘴：robyn虽然没打算翻但是她还是算pop里很受pitchfork待见的了把···在到14年为止的10年榜上除了仙女，她的body talk貌似是排名最高的pop专了·）
所以dangerouswoman是在什么地方挣扎着呢？在billboard官网发布的一个提供了相当多信息的采访中，小牛描述dangerous woman是一张“22岁的年轻女孩回归她自己，想要尝试着平衡自己的成长，爱情，还有一路上其他乱七八糟东西的专辑”。然而，这张专辑的听众对于这个扎着马尾辫的女孩摘下面具以后的模样了解的并不多。尽管她并不打算以那种爱讽刺的朋友身份向粉丝兜售自己，但是她的微微收敛意味着dangerous woman有些矛盾的反而不“危险”了，虽然她在这张专辑19个不同的地方提到了“danger”或者“dangerous”。
这张专辑以“moonlight”开场；“moonlight”原本是这张专辑的标题，所以现在可能就只能把它当个开场白了，同时它也是这张专辑里最靠近情歌，最浪漫，也是充满装饰音最多的歌曲。但是这首歌的宁静很快被“dangerous woman”所打破；其实，“dangerouswoman”才是这张专辑真正的入场曲。“dangerous woman”性感，被赋予力量，通过嘹亮的歌声和主题联系在一起。实际上你能够想象出她穿着长到拖到地面的礼服，环着软毛，在富丽堂皇的楼梯上缓缓走下来，勾引又击碎着爱人的心。在“dangerous woman”的强震之后，“be alright”和“into you”都是相当的cool，像简洁的惊雷。
在这15首歌的专辑里，dangerous woman的feat曲听起来有些暗淡无光，它们并没有被充分利用。麻辣鸡在“side to side”中的部分和在她自己的专辑pinkprint中的合作曲“get on your knees”相去甚远；在“get on yourknees”里小牛和麻辣鸡都展现了“bang bang”中她们各自的特点：小牛是天真无邪的悍妇，麻辣鸡是铁石心肠的queen。在这首歌里这种化学反应已经缺失了，麻辣鸡无聊，略带雷鬼风格的部分也完全没有赞美女性的感觉。尽管麻辣鸡再一次用她的姓“minaj”做出了性暗示（楼主插嘴：麻辣鸡的姓“minaj”在法语里听起来是双 飞的意思，在“side to side”里应该是一个邀请，和麻辣鸡与小牛一起飞的性暗示嘻嘻嘻。麻辣鸡在“only”里也有相似的用法，“yo，I never f**ked wayne, I never f**ked drake,on my life man, fk’s sake. if I did, I’d “minaj” with’em and let’em eat myass like a cupcake”），这个部分听起来远远超过了pg限制级。Lil wayne在“let me love you”里的出现的确令人惊讶，但是可以预见的是，李伟听起来还是快要睡着了一样。他设法说出令人无比尴尬的歌词“she grinding on this grande，oh lord”（在意大利语里，小牛的姓“grande”是大的意思，所以李伟在这里说的是小牛在他的巨大物体上前进········）即使是他例行的“moolah baby”也不能减少他敷衍了事的感觉。
最让人不适的应该是future的合作了。他唱的很大一部分是在重复这首歌的歌名：“everyday”，使得他成为里在dangerous woman里最没存在感的合作者，就像是在“problem”里的big sean一样。如果把future充满性感的部分拿走的话，“everyday”是建立在一堆毫无意义的性感之上的特质就暴露无疑。唯一的例外是和macy gray合作的“leave me lonely”，在这首歌里gray粗糙的嗓子和小牛完美无暇的声音形成了强烈的对比，在前后连续性上增加了令人愉悦的改变。处在这些feat歌曲中间的是“greedy”，这又是一段调情，同时也宣布了如果小牛处在舞台中央，她就会真正的闪光。
这张专辑的后半部分缺乏前半部分所具有的能量。她带着现在“我已经有了自己的思想，能做自己想做的事”的观点，持续不断地唱着自己从过去到现在的成长和成熟（“我曾经让别人告诉我该怎么活着，该成为什么样的人，但是如果我不能成为我自己这些有什么用呢？”）正如麻辣鸡在“side to side”中唱的那样，“年轻的小牛也成了pop的queen”。这实际上也是在dangerous woman中是显而易见的，尽管结果有时候可能不会一帆风顺。小牛并不需要再注入什么精神，她现在已经充满了精力。她只需要发现自己内心深处的那个dangerous woman，最终她就会break free。